Participants 2016

Moonsuk Choi Born in Daegu (Republic of Korea) in 1981. Works as a dancer, choreographer, performer. Choi studied at Sejong University in Seoul. In 2006, he created "Two different ways" and received the award for best choreography at the festival of young choreographers by Dance Association of Korea. In 2007, he created the work at Jungdong theater Art frontier "Two different ways", "Never say Never" and in 2008, he created "Relation" for '2008 Critic's Choice' and also chosen by Arts Council Korea in 2008.
In 2009 til 2012, He worked Saarländische Staatstheater, Donlon Dance Company, in 2012 till 2015 Daniel Hellmann(3 are 3 Company)/ Quan Bui Ngoc(les ballets C de la B) for "K" and "Untold", Martin Schick, MELO Collective, Eunme Ahn Company, famooto Collective, Marguerite Donlon, Stijin Celis, Caroline Finn-Fischer, Teresa Rotemberg.
In 2013, he created "Inst.Act" for MODAFE Korea(Modern Dance Festival) and chosen by Arts Council Korea 2013. In 2014, he created "FIRST DATE" for Belgium Oostende DANSAND Festival.
At the Vienna Fifoo festival 2013 he presented "Going Below", SPAF 2014(Seoul Performing Art Festival), The work performed in Vienna, Seoul, Daegu and was presented again at the Fifoo festival and New York.

4 RUDE is a performing arts unit founded by Hikaru Inagawa(actor/butoh artist/director/set designer) to explore his vision of the ideal form of expression. Other members include Maco (actress/butoh artist) and Zaza Hibino. The unit aims at finding alternative ways; acting without words and dance based on inner experience instead of focusing on body movements. Their performances continues to evolve in depth, developing in this way a unique language. Based in Tokyo and Berlin.

Anne Welenc & Annina Machaz curr. artist in residence, at NES in Iceland. "Chapel of Love" ( WT ) is a "5 - Steps Program" showing on the basis of Icelandic life, how to become an elve instead of dying and getting old. Studies HKBern : BA Theatre, MA Performance. Relevant works for her own authorship with Viviane de Muynck , Ivo Dimchev and Francois Chaignaud. Since 2013 in Berlin in various collectives. Work is based on cultural researches, used as a tool and set in another context.

In einer Reihe von partizipativen Projekten hat Martin Jurk (1984* Berlin) in Ludwigshafen und Göttingen z.B. zu den Themen Flucht und Migration mit unbegleiteten minderjährigen Flüchtlingen gearbeitet (Mahala International 2015, Fluchtlinien 2014). „Grenzenlose Märchen“ nennt sich das derzeitige Projekt mit Willkommensklassen in Berlin-Kreuzberg.
Viola Schmitt (1987*) ist Musikerin und ausgebildete Sprecherzieherin. Sie hat im Projekt die Chorleitung übernommen und ist Teil der Bühnenband (Gitarre und Gesang).

Alexandria is currently a dance artist practicing in Sydney. She completed a Bachelor of Dance/ Arts and Bachelor of Education, dual degree (2011-2014) and also a BA Dance Studies (Honours) (2015) at the University of New South Wales. She is pursuing choreography and an ambition to fuse together improvisation and film. She currently teaches as a dance tutor for the Arts Unit State Company, an elite state representative dance program for New South Wales Dancers. This program is supported by the Department of Education.

Alright Gandhi formed in Berlin 2014, a place where people from all across the world come to do whatever they feel and nobody minds. Rosa Gerhards (UK), Pietro Fornara (IT), Dominick Gray (US), and Kalle Enkelmann (DE) met each other in the chaos of underground jam sessions to play music on wild and crowded weekdays. The band became an intimate vehicle propelled by Rosa's songwriting and basslines and Pietro's guitar­painting. With the recent addition of Dominick Gray on drums, the sound developed into deep acoustics and unconventional rhythms played to move your hips and open your mind. Alright Gandhi exists by the same motto as its carefree environment: forget history, be original!
Kalle is recording and producing Alright Gandhi's first full length album that pops, dances and surprises, to be released in Spring 2016. The album invokes magical pop, world grooves, and positive music.

Ana Laura Lozza and Bárbara Hang are Argentinian choreographers and performers who live and work in Berlin and Buenos Aires. In 2010, they founded Acá no hay delivery producciones; a platform to develop, investigate and contain their individual as well as mutual works. This label is a bridge for exchange, communication and exploration of ways of collaboration for dance pieces. Time, translation, authenticity, artificiality and finding ways of affecting the spectator’s subjectivities are issues concerning their works. Their choreographic work made in collaboration includes “That which is the thing”, “Untitled (4 artificios)”, “4 artificios” , “Arcadia” and “The vanishing meeting”.

Ana Mendes studied animation film, at La Poudriere – Ecole du Film d’Animation, Valence, France (2008), photography at Bauhaus University, Weimar, Germany (2012), and finished an M. A. in Writing for Performance at Goldsmiths College, University of London, UK (2011).
Her performance career started accidentally when she wrote Self-portrait, a play on her identity, in 2010. Since then, she has been developing projects that play on the intersection of photography and performance. Her work has been exhibited at Defibrillator Gallery, Chicago, USA; Sophiensaele, Berlin, Germany; Peter Robertson Gallery, Alberta, Canada; The Barbican Centre, London, UK; Future MESS, Bosnia, Saravejo, Maison des Artes Georges Pompidou, Cajarc, France.
Mendes’ plays are translated into Bosnian, English, Spanish, Polish and French. Selected prizes and fellowships include: Fellowship Akademie Solitude, Stuttgart, Germany, 2015/16, Writer in Residency City of Vienna 2014, Kulturkontakt Austria and BMUKK (Bilder Ministerium fur Unterricht und Kultur); Prize of the Jury Sophiensale, Festival 100º Berlin 2013; Act-Arriaga Prize, Act Performing Arts Festival, 2012, Bilbao, Spain, Second Prize Lift Off, Lift Art Gallery, 2012; ACC Gallery/City of Weimar Fellowship 2012, Germany; Foundation Calouste Gulbenkian Fellowship 2010.

The Berlin-based performance collective andcompany&Co. was founded in Frankfurt/Main in 2003 by Alexander Karschnia, Nicola Nord and Sascha Sulimma. The 3 co-directors form an open international network which is constantly being joined by new artists from various disciplines. andcompany&Co. regularly (co-)produce theatre performances and lecture-concerts. They seize the canon by sampling philosophical and aesthetical fragments. Through means of remixing they assert their very own tradition.

Angela Lamprianidou has studied choreography and new techniques of interpretation at the Institut del Teatre, Barcelona, where she spent many years living and working. Her new piece “appointment on stage” has it´s worldpremiere at Ballhaus Ost in Berlin, the cast consist of 6 dancers, one dramatic adviser, and two musicians.
Her work has been described as „appearing like conspiracies, with a looping logic and a certain tenaciousness, when it comes to understanding/appreciating pure energy.“ (R. Fratini)

Anna K. Becker arbeitet als freie Regisseurin und Dramaturgin in Deutschland und der Schweiz. Sie studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Giessen. 2005 - 2008 arbeitete sie als Regie- und Tourassistentin mit Stefan Kaegi (Rimini Protokoll). 2004 gründete sie mit Katharina Bischoff das Regieteam bigNOTWENDIGKEIT deren Arbeiten bisher in Deutschland, der Schweiz, Polen und Ungarn zu sehen waren. In Berlin arbeiteten sie an den Sophiensælen, dem Theaterdisounter, dem Roten Salon der Volksbühne und jüngst im Autokino Berlin. Seit 2007 Zusammenarbeit als Dramaturgin z.B. mit Samir Akika (Unusual Symptoms), Martin Schick und Malte Schlösser. 2014 war sie Stipendiatin des Internationalen Forums am Theatertreffen Berlin. Aktuell arbeitet sie in verschiedenen Formaten und künstlerischen Kollaborationen.

Anna-Maria Gesine Schreiber finished TAV in 2012, now she is free or in an Ensemble. Since 2009 she stages various works about Frida Kahlo in own scenery and costumes. With "In quarrel with pain" she won the F K Look Alike Contest in Vienna. The monodrama "The lion in the wardrobe" was successfully presented on Fiestas Fridas in SF, US in 2014. Scenical reading "The dove and the elefant" in two languages will be ready to be presented on tour soon. A dance and singing program is in preparation.

The collaboration between Martina Garbelli (IT) and Annukka Hirvonen (FIN) started in April 2014 in Berlin. After finishing their professional dance education and working in different projects in Germany and abroad, they decided to take a step into the creation process to find a common language and message.
MARTINA GARBELLI (1986, Italy) finished her contemporary dance education in SEAD (Austria) in 2012. Since 2011 she works with the Italian visual theater company Zaches Teatro and she danced in small and bigger projects in Germany and abroad ( Grupo Oito, DORKY PARK – Constanza Macras as guest, Cie. Willy Dorner etc.). Currently she lives and work as freelance dancer and dance and pilates teacher in Berlin.
ANNUKKA HIRVONEN (1985, Finland) finished her contemporary dance education in Fontys Dance Academy (Holland). She danced in pieces of Peter Jasko, Sara Wiktorowicz, Pia Meuthen and Truus Bronkhoorst and worked as apprentice in Cie. Toula Limnaios in Berlin. She’s member of the Art Community Koe in Finland. Currently she is based in Berlin where she works as freelance dancer and dance and yoga teacher.

Ariel Efraim Ashbel (b.1982, Tel Aviv) makes performances. Originally a theater director, the work he has been creating since 2000 negotiates interdisciplinary proposals for stage events, located in the gap between theater, dance, music, and installation. In Israel, he worked regularly with Tmuna Theater (Tel Aviv) and Hazira Performance Center (Jerusalem) and showed work at the Akko Festival, as well in other contexts such as artTLV, the Center for Contemporary Art, Levontin 7, HaTeiva, and more. Between 2008-2010 he was Associate Artistic Director of the IntimaDance Festival for Contemporary Dance. Since 2011, Ashbel is based in Germany, where he presents work regularly at HAU Hebbel am Ufer Theater (Berlin) and Kampnagel (Hamburg). Other venues in Berlin include Sophiensaele, HZT (Uferstudios), ausland, the Berlin Biennial, the Porn Film Festival, and Transmediale. His work was also presented in festivals and venues in New York, Düsseldorf, Essen, Zurich, Frankfurt and Munich. Alongside his work as a director he also collaborates with colleagues as performer and dramaturge. Ashbel is a graduate of the School of Visual Theater, Jerusalem (2006) and he holds a BA in History and Philosophy from Tel Aviv University (2010). He won the Akko Festival prize for alternative theater in 2003, annual scholarships from the America-Israel Cultural Foundation in (2003-2007), the Mayor of Jerusalem and the HaZira Performance Art Center prize in 2006, the Legacy Foundation scholarship in 2007, and participated in Goethe Institute and International Theater Institution's (ITI) residency program for young theater directors in 2011.

Arnita Jaunsubrēna *24. September 1980, Lettland
Nach dem Studium der Kultursoziologie an der Kulturakademie Lettland entschloss sich Arnita Jaunsubrēna zum Studium der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen. Ihr erstes Theaterstück „Der souveräne Mensch – Warum Juwelen glänzen und Kieselsteine grau sind“ zusammen mit „Eliza Rescue Team“ (Kim Willems und Lea Schneidermann), hat den Körber Preis für Junge Regie im Jahre 2013 gewonnen. Das nächste Projekt „Wearing a bear“ wurde im Juni 2015 beim Festival „Premieres“ am Staatstheater Karlsruhe gezeigt. Parallel zu eigenen Projekten arbeitet Arnita Jaunsubrēna als Dramaturgin und Kostüm- und Bühnendesignerin bei anderen Künstler*innen und Theatergruppen.

Aus unterschiedlichen Bereichen – Bildender Kunst, Musik und Theorie kommend – haben sich Tilman Aumüller, Jacob Bussmann, Christopher Krause, Arne Salasse und Ruth Schmidt am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen kennengelernt. Die Arbeit der Künstler*innen, die unter anderem unter dem Namen ScriptedReality kooperieren, bewegt sich zwischen Film, Choreographie, Theater und partizipativen allegorischen Bühnenspektakeln. Zuletzt wurden Arbeiten auf dem Batardfestival in Brüssel und Amsterdam gezeigt; gerade arbeiten sie an einem Stück, das auf dem Freischwimmerfestival 2016 zu sehen sein wird.

BEGEMOT – is a post-immigrant theatre group, formed 2014 by Alexander Schulz and Maria Zharkova, graduates of the GITIS - The Russian University of Theatre Arts in Moscow. They see themself as people, who use the theatre for telling stories, which speak to the heart. They experiment with forms and styles to impassion the audience with things, which impassion them, to be understood and to understand.

The Berlin performer Bridge Markland is a virtuoso of role play and transformation. Effortlessly she crosses boundaries between dance, theatre, cabaret, gender performance and puppet theatre.
Her specialty are One-Woman+Puppets-LipSync-Shows of classical German theatre pieces. Faust I/Goethe, The Robbers/Schiller, Leonce and Lena/Büchner. With her unique talent of transformation she performa all roles either as human being or as puppet. She edits the texts and supports and contrasts them with fitting quotes from well known pop songs. Her performances delight people of all ages from 13 years on and have been toured in Germany, Europe, USA and Canada. Faust and Robbers are also available in English versions.

The Berlin performer Bridge Markland is a virtuoso of role play and transformation. Effortlessly she crosses boundaries between dance, theatre, cabaret, gender performance and puppet theatre.
Her specialty are One-Woman+Puppets-LipSync-Shows of classical German theatre pieces. Faust I/Goethe, The Robbers/Schiller, Leonce and Lena/Büchner. With her unique talent of transformation she performa all roles either as human being or as puppet. She edits the texts and supports and contrasts them with fitting quotes from well known pop songs. Her performances delight people of all ages from 13 years on and have been toured in Germany, Europe, USA and Canada. Faust and Robbers are also available in English versions.

Bruno Senune was born in Aveiro in 1992. Currently he lives in Porto. He begins his studies in dance at Balleteatro Escola Profissional which he finishes in 2011 and where he stands out the work with Elisabete Magalhães, Paula Moreno and Filipa Francisco. As a performer and co-creator he had worked with Victor Hugo Pontes in “Fuga Sem Fim”, Né Barros in “Estrangeiros” and “Landing”, Tânia Carvalho in “Icosahedron” and “Weaving Chaos”, Joana Castro in “Under Destruction” and “Perto... tanto quando possível”, Flávio Rodrigues in “PORCELANA” and “NIL-CITY”, Mariana Tengner Barros “End of Transmission” and Joana von Mayer Trindade in“Saltus” and “Nameless Natures”. Since 2014 that he's been developing his own creative work with "thismusicinmyhead" - Um projecto inconveniente, inconsequente e incoerente" in collaboration with Cláudia Moreira, "LONELY" (2015) with Flávio Rodrigues (Project made in the extent of the exposition Sub40) and in Solo with KIDAS KING (2015). In 2015 he helps developing a Site Specific for a Masters of ESMAE. In parallel he works as a photographic model and in human picture lessons.

Flávio Rodrigues (1984) was born in Vila Nova de Gaia and currently lives and works in Porto (Portugal). Attends the degree in Costumes Production and Design at ESMAE (Music and Drama Superior School). Finishes in 2006 the Dance course at Balleteatro Professional School. In 2007 attends the alternative contemporary dance program at Dance Works, Rotterdam. In 2008 was awarded the scholarship from NEC (Choreographic Experimentation Nucleus) and in 2009 attends the course in Public Art and Site Specific works creation. In 2012 represents Portugal in the meeting Les Reperages / Danse à Lille and, as a scholar from Fundação Calouste Gulbenkian, attended the choreographic residency Correios em Movimento / Dança em Trânsito in Rio de Janeiro. Develops, since 2006, his own performative and visual works: "Charlotte O`day", "Inverno de 2011", "14 de Novembro de 2010", "Starvelingtherite of spring" and RARA (2013), to name but a few, shown in festivals and venues in Portugal, Austria, Spain, Moldavia and Belgium. Presented, in 2009, ‘Primavera’ (Spring), site specific project in Serralves em Festa (Portugal) . As a performer, co-creator and costume designer, participated in projects from creators such as Né Barros, Isabel Barros, Joclécio Azevedo, Juliana Snapper, Tânia Carvalho, Joana Castro, Carla Valquaresma, Luís Carolino, Elisa Worm, Teresa Prima and Radar 360º. Dancer in the company Ballet Contemporâneo do Norte since 2009.

bücking&kröger is a choreographer-duo founded in 2014 dealing in the broadest sense with dance, architecture, performance and social sculpture. In 2014 they premiered their first short piece “the wall // exercise on borders” in Berlin. This was followed by the production “sujets trouvés” which was presented in 2015 within the frame of the Heidelberger festival ARTORT. bücking&kröger showed a full - evening piece with the title “Narragonien” in March 2016 at the theatre Dock11 in Berlin founded by Bezirksamt Pankow and Berliner Senat / Kulturstipendium.

Caroline Creutzburg, ist Initiatorin von Theaterperformances, die sie als Konzeptverantwortliche und Performerin umsetzt. Sie studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Giessen und Kostümbild an der Universität der Künste Berlin.
Projekte entstehen oft in Zusammenarbeit mit Berliner und Gießener KollegInnen. Zuletzt entwickelte sie im Rahmen des Freischwimmer Festivals 2014/15 die Radioshow „B Open“, ein Ensemblestück, mit dem sie in Deutschland, der Schweiz, und Österreich tourte.
In ihren Arbeiten geht sie der Frage nach, welche gesellschaftsstrukturelle Figuren gemeinsames Leben / Leben in Gemeinschaft hervorbringt. Welche Individual- und Gemeinschaftsmechanismen entstehen, wenn eine Gesellschaft versucht, dem Idealbild von sich selbst als funktionaler, produktiver, harmonischer Gemeinschaft, nahe zu kommen? Inspirierend sind dabei die vermeintlich banale Populär- und Alltagskultur, die auch immer eine konkrete gesellschaftliche Situation dokumentieren.

Cecilie Ullerup Schmidt is working as a performance artist in Scandinavia, Germany and Switzerland and curates the festival WORKS AT WORK Copenhagen. From 2011 to 2015 she was artistic research associate teaching at the BA Dance, Context, Choreography at Inter-University of Dance Berlin; from 2016 she is writing a PhD in the Dept. Arts and Cultural Studies at Copenhagen University.
Andreas Liebmann is working in the field of site-specific performance and theatre, integrating impulses from natural science, anthropology and politics. His works are presented in a.o. Switzerland, Germany, Denmark, Bolivia. As an author he’s been writing radio plays and texts for Theatre Freiburg, HAU, Burgtheater Vienna and Schauspielhaus Zürich. From 2015 he’s been teaching conceptbased directing in Copenhagen.

Chang Nai Wen works internationally as a director. Her work is driven by a belief in direct dialogue to create a diversity of stories rarely told on stage. Since 2008, Chang has created site-specific and participatory formats that bring borders of any sorts into question with her company Sisyphos, der Flugelefant (SdF) in Berlin. In addition, since 2011 she has developed a method of co-directing with the international directors' collective the World Wide Lab in New York, Rome, Syros and Taipei.

Step into the wild and magical world of Chapeau Club!
You will be overwhelmed with surprises, incredible madness, crazy art, Surrealism, Dada and daring magic.
The collective sees itself as an open form of theater in which the influences of each cast member come into effect and the audience is part of the staging. The project is interdisciplinary involving various media and interactive design, many scenes are improvised, and will push the audience into another reality.

Born in Torgau in the former GDR, he was a multiple Spartakiad winner in the disciplines weightlifting and judo as a teenager. He then studied martial arts and breakdance, before being accepted at the National Ballet School in Berlin. After the fall of the wall, he danced in video productions for MTV and worked as a bodyguard and construction worker. In the early 1990’s, he performed in underground techno clubs. Then he studied choreography for four years at the prestigious School for Drama “Ernst Busch“ and founded Klangkrieg Productions, a platform for experimental music. Under this label, he produce work by numerous acclaimed musicians such as the Vene an Snares or Current Value. At the same time, he also curated the festival AvantPop and organized parties and concerts e.g. for the Fuckparade.
After graduating from the Ernst Busch in 1998, he consciously chose to continue working as an independent choreographer in Berlin. Right from the start, he received much critical acclaim and numerous invitations to festivals for his innovative dance style and minimalist, rigorously composed, discursive dance dramas.
In 2007, he founded the agency BERLIN GOGOS with „ehrliche arbeit – freelance office for culture” as a way to commercially market contemporary dance and address the economic situation of contemporary dancers today.
His works consistently deal with topics that reference issues currently discussed in society at large, but that also directly pertain to and affect the art form of dance.

The cie. toula limnaios was founded in 1996 by the choreographer Toula Limnaios and the composer Ralf R. Ollertz. Thanks to the lean, but highly effective structure and international co-productions, the company, which has been institutionally supported since 2014, continuously ensures the high quality of its ensemble work and belongs nowadays to one of the most successful dance companies in Germany. They tour worldwide as a German Dance Ambassador of the Goethe Institute and the Federal Foreign Office. The choreographic method of the company strives for an imbuement of movement in order to make a personal and emotional core glow. The choreographic method of the company strives for the infusion of movement in order to make a personal and emotional core glow. The cie. toula limanios presents dance, which keenly, critically and bravely takes a stand for mankind, made by and for humans.

CINE FANTASMA is a videointervention and performance series that explores the way symbolic and material structures interlace themselves with urban landscapes.

A native of the San Francisco Bay Area, Clare Schweitzer received her early training in ballet, performing in more Nutcrackers than she has fingers to count with. She continued her dance training at Mount Holyoke College, where she graduated in 2012 with a B.A. in Dance and Mathematics cum laude with high honors. While there she had the opportunity to perform repertory by Doris Humphrey, Kinsun Chan, Jim Coleman and Terese Freedman. Clare moved back to the Bay Area after completion of her degree, performing with groups such as Kinetech, the Samantha Giron Dance Project and Sarah Berges Dance. She also had the opportunity to work behind the scenes of dance as an administrative assistant for Bandaloop and as a programming assistant for the San Francisco Dance Film Festival. While working for the Festival, Clare developed an appreciation for screendance, receiving early training from Cari Ann Shim Sham* and Ben Estabrook and furthering her studies at the London Contemporary Dance School where she engaged in a research project into the practices of Screendance festivals. She hopes to continue to engage with the form and continue research into the melding of Dance with digital technologies. In addition to this, she tutors mathematics among other subjects and still entertains the prospect of being a sabermetrician (baseball statistician).

Die „Compagnie Compagnie“ ist eine internationale, mehrsprachige Theatergruppe, die 2015 gegründet wurde. Rolf Kemnitzer ist der Gründer und künstlerische Leiter der Gruppe. Ihr Sitz ist die „Dramatische Republik“ in Neukölln.

The Swiss director Corinne Maier studied Cultural Sciences and Aesthetic Practice at the University of Hildesheim in Germany until 2009. Since then she has remained committed to creating her own performances in a range of contexts: She works as a performer with the collective "magic garden" and as a director mostly in Berlin and in Switzerland. Her latest (so-called documentary) works "Past Is Present" and "Like A Prayer" have been touring internationally.

Daniel Schrader hat an der Berliner Humboldt-Universität Kulturwissenschaft und Slawistik studiert und war von 2004 bis 2007 Regieassistent von u.a. Frank Castorf, Christoph Marthaler, Jonathan Meese an der Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz. Anschließend tätig als freier Regisseur, Dramaturg und Produzent. Seit 2010 ist Daniel Schrader künstlerischer Leiter des Ballhaus Ost. In seinen Inszenierungen konstituieren sich Schauspieler- und Performer-Ensembles zu temporären autonomen Gemeinschaften, die sich in eine politische Auseinandersetzung mit kanonischer und randständiger Literatur begeben.

Am Anfang des Berliner Puppentheaters stand zunächst eine alte Matratze. Ein paar Stoffreste und Draht ließen daraus Hänsel und Gretel entstehen. Eine zerschrammte Gitarre ließ die Puppen am Helmholtzplatz in Berlin tanzen. Sie hoben damit DAS HELMI aus der Taufe, ihr erstes Stück wurde gleich zum Hit. Die Kinder kamen in Scharen, manche bis zu zehn Mal hintereinander. Auf Hänsel und Gretel folgte eine ganze Reihe von Schaumstoffgeborenen: Kalif Storch, Vincent van Gogh, Anansy und die Kochbananen, Aschenputtel und Schneewittchen, Léon der Profi, Ödipus, King Kong... Die HELMIs verstecken sich nicht hinter ihren Puppen, sondern betreten offen die Bühne. Puppe und Spieler sind zwei Teile eines Ganzen, die zu Beginn einer jeden Szene miteinander verschmelzen und sich gegenseitig in ihrem Ausdruck verstärken. Nichts ist einfach, alles ist doppelt und fast immer ironisch.

Despina Kapetanaki is a Berlin-based performer and theatre maker. She holds a degree in Theatre Studies and a diploma in Acting with a focus on physical theatre. She has worked as performer with her own projects in Ireland, Greece and Germany. She has been trained and cooperated with Eugenio Barba and Odin Teatret (Denmark). She is creating her own projects inspired by daily life, ordinary people and the contemporary sociopolitical situation. The focus of her work lies on physical theatre and dance performance, which are combined with music, text and poetry. She is interested in performing in unconventional places and without using a separate stage. She prefers sharing the same space with the spectator instead, creating this way an intimate communication between the performer and the audience.

Ini Dill is an active member of the Berlin dance scene and a founding member of the Berlin-based "die elektroschuhe". She completed her dance training at the Ballet School of the Vienna State Opera and has worked since 1992 both as a dancer and a choreographer for several Stadttheaters and opera houses. Ini has been involved in independent projects in Austria, Italy, Holland and Germany. She has collaborated with Martin Kusej, Hans Falar, Roberto Galvan, Rui Horta, Frederic Flamand, Marco Santi and Jai Gonzales among others. Her work was also presented at the 100° festival in Sophiensælen and Hau 3, in Dock11 Berlin, Ballhaus Ost Berlin, Acker Stadt Palast, and in WUK in Vienna.
Daniel Drabek studied sports, arts and pedagogy in Essen, before he went to Arnhem for his dance education. Since 2002 he is working in different projects and theaters (Elshout&Händeler, Marco Santi, Constanza Macras/Dorky Park). Since 2003 he is developing his own work. He is, amongst others, founder of "die elektroschuhe", a Berlin based Artist Collective.

Dollytakesatrip ist ein Künstlerkollektiv, das sich aus Schauspielern, Tänzerinnen, Choreographen und Regisseuren zusammengeschlossen hat. Es sucht sich für seine Performances aussergewöhnliche Orte v.a. in Neukölln, die nicht primär für theatralische Zwecke genutzt werden. In der Auseinandersetzung mit den jeweiligen Begebenheiten werden Themenbereiche entwickelt, die dann für die dort stattfindenden Vorstellungen performativ umgesetzt werden.
Produktionen:
2014 „Das ist doch auch gut für deine Vita“, Kegelbahn des Cafe Engels, Neukölln.
2015 „RETTEN! Eine Performance zur Rettung der Eckkneipe“, Stammtisch, Neukölln.
2015/16 „DER ERSTE KONTAKT“, Stammtisch, Neukölln. (WA am 19. und 20.02.2016).

Nishant Shah is a Professor at the Institute of Culture and Aesthetics of Digital Media, at Leuphana University, Lüneburg and the incoming Dean of Research at ArtEZ University of the Arts in The Netherlands. He is the co-founder of the Centre for Internet and Society, Bangalore, India and a fellow at the Centre for Internet & Human Rights, Berlin, Germany. His work is at the intersections of technology, affect, identity, and social and political movements and configures the ways in which we learn to become human in the midst of technologies.

ÉCOLEFLÂNEURS is the common label of director and trainer for the arts of walking Elke Schmid and performer, dramaturg and philosopher Thomas Schütt. Elke Schmid beyond walking keeps exploring „underacting“ as an authentic stage language with her group EX!T Ausgangspunkt Theater. Thomas Schütt is a member of EX!T and furthermore worked with Michael Laub, Two Fish, Hyoung-Min Kim & Wagner Moreira amongst others. Elke Schmid regularly shows up with her performance „MIT GEHEN“ aswell as with the workshop „GUT GEHEN“. Thomas Schütt worked as dramaturg for Hyoung-Min Kim in „Gelbe Landschaften“ (projekttheater Dresden, 2014) and „Nach dem Ende kommt noch was“ (DOCK11 Berlin, 2015). Recently he performed with Wagner Moreira in and was responsible for the dramaturgy of „Talk To Me“ (UA Hellerau – European Center for the Arts Dresden, 2015).
www.gutgehen.com
www.thomasschuett.de

Elisa Müller studierte Schauspiel und Theaterwissenschaft. 2008 gründete sie das Performancelabel müller*****, bisher sind 13 Produktionen in Zusammenarbeit mit Künstler_innen und Wissenschaftler_innen unterschiedlicher Professionen entstanden, u.a. in Kooperation mit Ballhaus Ost Berlin, LOFFT.Leipzig, Fleetstreet Hamburg, LICHTHOF Hamburg, Sophiensæle Berlin, Theaterdiscounter Berlin, Vierte Welt Berlin, FKT Bochum und FFT Düsseldorf. Aktuell: „Desertieren“ im FWT Köln, Rottstr. 5/ KUNSTHALLEN Bochum und Vierte Welt Berlin (Premiere März 2016). Seit 2014 Arbeit unter dem Label „Institut für Widerstand im Postfordismus“, u.a. „Forschen am Widerstand im Postfordismus. Work in Progress“ mehrteilige Reihe zwischen Performance und Diskurs in der Vierten Welt Berlin und „Welche Revolution(en) werden wir erlebt haben werden?“ Intervention für ‚Art in Resistance‘ beim SPIELART Festival 2015. Zudem Preisgewinn beim Marketing-Wettbewerb des PAP Berlin mit dem Konzept „Revolutionsautomaten für Kreuzberg“. Davor kam 2014 „Formen der Trauer – ein transdisziplinäres Forschungslabor zwischen Kunst und Wissenschaft“ im Theaterdiscounter Berlin zur Aufführung. Seit 2013 regelmäßige Arbeit mit Jugendlichen, u.a. 2013/14 „In Frage gestellt“, ein Projekt mit der Hermann-Hesse-Schule Kreuzberg und der Vierten Welt Berlin und 2015/16 „Wir proben den Widerstand“ mit der Carl-von-Ossietzky-Europa-Schule. Im Juli/August 2014 forschte sie im Theater im Ballsaal Bonn während einer einmonatigen Residenz zu „eine Frage des Ehrgefühls – Widerstand im Postfordismus“ im Rahmen von „flausen+ – young artists in residence“ des theater wrede. Außerdem seit 2013 regelmäßige Tätigkeit als Dozentin, unter anderem an der UdK in den Fachbereichen Bildende und Darstellende Kunst. Seit 2011 (kooptiertes) Vorstandsmitglied des LAFT – Landesverband freie darstellende Künste Berlin e.V. und Mitglied der Sprecherrunde der „Koalition der Freien Szene“ Seit 2016 Mitglied im Rat für die Künste Berlin.

English Theatre Berlin | International Performing Arts Center (ETB | IPAC) is the German capital’s only producing and presenting organization in the Hauptstadt expressly dedicated to English, the 21st century lingua franca, as the working language, as a bridge between cultures, countries and traditions.
We collaborate with both English native speakers and non-native speakers in order to achieve an exchange between artists of different backgrounds who mutually inspire and influence each other.

Die 2002 in Berlin gegründete Künstlergruppe "enkidu-events" hat sich von Beginn an das Ziel gesetzt, neue technische Möglichkeiten mit der Reflexion von Gesellschaft zu verbinden. Visionär ist dabei nicht nur die Verbindung der Kunstformen, sondern auch das Verständnis von Kunst als kollektivem Prozess. 
Seit 13 Jahren arbeitet die Gruppe zusammen. Anfänglich widmete sich "enkidu-events" dem Thema Kunst und Internet (siehe „Schöpfung“, „Liebst du mich Lump“), in den letzten Produktionen verlagerte sich der thematische Schwerpunkt auf Kunst und Politik (siehe: „König Ubu“).
Dieses Mal stehen „wir“ und Berlin, in seinem Wandel der letzten Jahre, im Mittelpunkt des Projektes.

Geboren 1987 in Steinheim, 2010-2014 Studium an der Ernst Busch, Berlin. Spielte bisher u.a. an der Schaubühne, dem Berliner Ensemble, am HAU und auf Kampnagel in Hamburg. Als „28 sounds to escape“ komponiert und produziert er seine eigene Musik. Studiert seit 2015 Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin.
Unter dem Namen BÜRO STEINHEIMER entstanden im Oktober 2014 die bespielte Ausstellung "Now Let's Go Party Till Dawn" und im Februar 2015 das Festival "Der Igel wohnt jetzt hier" im Haus1 Berlin.

Since 1978 Fiegendes Theater creates theater productions for children and adults. The desire to combine fine arts with theater led to the figure theater. From a mix of acting, figure/object and material theater, projections and live music, Fliegendes Theater develops scenic material with associative character. The own venue in Berlin built a firm foundation for a regular work as well as ideal conditions for experimentation. Fliegendes Theater regularly gos on tour and was invited to play at many national and international festivals.

Flinn Works (Berlin/Kassel) is led by co-artistic directors Sophia and Lisa Stepf. Always engaging with current social and political issues that resonate globally, the company devises its work in collaboration with professional international artists and performers. Flinn Works uses theatre, music, multiple perspectives and intensive research to create new performance works. The company has won prizes in Zurich and Delhi, tours in Germany, Switzerland and India and sometimes as far as Hong Kong.

In Frauke Havemann / ON AIR’s work the aesthetics of cinematic and theatrical genres intersect.
In 2002 she joined forces with video artist Eric Schefter and performer Neal Wach to explore the juncture between live performance and video. ON AIR’s work often deals with situations where things get out of balance and accustomed strategies are no longer effective. Big themes and epic tales are conveyed with playful minimalism and humor. Mistakes and accidents, whether technical or human, are integrated into the performance.
Since 2010 an open team of performers, writers, theater and film makers has collaborated with ON AIR’s founding members on various productions.

FrauvonDaProduktionen consists of Claudia van Hasselt, Lotte Greschik and guests. For the last couple of years now, the singer and director have been exploring different forms of musical theatre. Starting points for their work are individual fates and biographies that illuminated in the context of social (historical or actual) conflicts. Out of this, they develop a plot which is geared to the selection of their pieces and that decides on the changing casts. World premieres are combined with historical music and genre boundaries are ignored deliberately so that obviously contrasting material is brought to an organic connection. Previous works: „Näre, das Sy“ (2012 BKA Berlin), „Innocencia“ (2013 Uckermärkische Musikwochen), „Es geht ein dunkle Wolk'“ (2014 Uckermärkische Musikwochen), „Rosemarie – Erinnerungen an eine Flucht“ (2015 BKA Berlin).

Friederike ist politische Theoretikerin und Stadtsoziologin.
Seit Januar 2015 promoviert sie über den Entstehungsprozess der spartenübergreifenden Koalition der Freien Szene in Berlin und deren a(nta)gonistisches Verhältnis zur Berliner Kulturverwaltung. In einem größeren Zusammenhang erforscht Friederike politische Organisationsformen von Künstler*innen und neue Formationen kollaborativer Politikgestaltung. Zudem interessiert sie sich für die Schnittstelle zwischen Kultur- und Stadtentwicklungspolitik, (künstlerische) Interventionen im öffentlichen Raum und Momente des Politischen im potenziell postpolitischen Zeitalter.

Die Gießener Gruppe FUX verwebt Elemente aus Sprechtheater, Kleinkunst, Performance, (Live-) Musik und Choreographie zu komplexen wie unterhaltsamen Theaterbastarden. FUX sucht nach neuen theatralen Formen und nutzt dafür bereits bestehende Bühnenformate. Verbindend für alle Arbeiten ist das Interesse an Musik, nicht-narrativen Dramaturgien, Humor und an Form, Uneindeutigkeiten und Plattitüden, an Zweifel und Übermut. Anstatt bestimmte Mittel und Möglichkeiten des Theaters zu verwerfen, geht es FUX um einen sowohl spielerischen als auch kritischen Umgang mit ihnen. Für FUX GEWINNT arbeitet das Kollektiv seit Oktober 2015 in einer Koproduktion mit dem Theaterdiscounter, Münchner Kammerspielen, Mousonturm Frankfurt sowie Kaserne Basel in mehreren Etappen an dem Thema Gewinn- und Glücksspiele.

Gali Kinkulkin is an Israeli currently based in Berlin dancer and choreographer. She graduated from the “Vertigo’s dance training school” in Jerusalem. After her studies she worked with the Israeli choreographers Dafi Eltabeb, Asher Lev, Stefan Ferry and others. Since 2014 her works have been presented around Europe and Israel.
Marcela Giesche is a freelance artist currently based in Berlin, Germany. She holds a BFA/Diplom in dance and choreography from the Rotterdamse Dansacademie and The Ohio State University and has received numerous scholarships including participation in the danceweb 2010 at Impulstanz.
Monica Gentile graduated at the University of Bologna “DAMS THEATER” in Philosophy and Literature. She is a dancer, choreographer, certified Yoga teacher, a martial arts practitioner (Kungfu and Aikido) and is interested in Movement Research/Somatic Practices. She curates and manages dance and performance events at Plateau Gallery, Green House, Berlin.

gefühlt frei* are Claudia Albrecht, Lena Gebhardt, Petra Rostock – 3 perceptive powers, 3 resonating bodies and 3 points of view. They have been creating and composing as an independent artistic trio since 2015. In their performative processes they join their daily professional occupation with and for others in social fields of politics, arts and health with imaginary and intuitive body images and movement languages.

"Homo digitalis" is about new ways of working in an increasingly digital world. Their new work, the collective around Moira Gilliéron (stage design), Ariane Koch (text) and Zino Wey (director) examines the changing daily work that takes place behind screens and in global network. How can we understand the world of digital work? Who haunts us through the net? And how long will we need our hands anymore? Questions that will be investigatd by four performers.

Girl to Guerilla is a theatre collective that recruits its members mainly from the Theatrical Sciences of the Freie Universität Berlin. Therefore it strongly links theory and practice and recent topics and discourses get to be taken to stage and get discussed there and reflected upon. The played scripts are mostly selfwritten and are staged collectivly. The collective was founded in 2011 and already looks back on a multitude of plays. Next to classical spoken theatre there are also many mixed forms with elements of performance, readings, concerts, film and more.

Gob Squad is a group of artists that works collectively on conception, staging, and performance in the borderlands between theater, art, and media. Founded in 1994 by students from Nottingham and Gießen, Gob Squad has been settled in Berlin since 1999. Gob Squad seeks out encounters with spectators that exceed the classical conditions of reception. The group alternates between stage performance, video installation, interactive live film, radio play, and urban intervention. Since then their productions have been shown in many parts of the world. "Before Your Very Eyes" has been invited to the German Theatertreffen 2012. In November 2014 Gob Squad celebrated its 20 years of existence with the long weekend “Be Part of Something Bigger – Celebrating the art of collectives and 20 years of Gob Squad” at HAU Hebbel am Ufer. Mostly recently, the co-productions “Western Society” and “Are You With Us?” have been seen at HAU, as well as “Super Night Shot” and “Room Service”.

Görli Dreamin' is a collective of interdisciplinary artists, founded 2015 by a multidisciplinary performer and curator Jagna Anderson, focussing on the concept of urban ecology of sound and movement. Out of the Görli Dreamin' Project emerges 2016 p.u.r.e. - Performative Urban Research Ensemble, exploring the realtionship between creation and reality within the frame of a participatory site-specific performance.

Grupo Oito is a professional, free dance company based in Berlin. Under the artistic direction of the brazilian choreographer and teacher Ricardo de Paula the group merges choreographic and therapeutic bodywork aspects with focus point of current social conflicts at the interfaces of global and local debates.
In different formats and contexts regular performances take place.

HARDT ATTACKS heißt die Ensembleformation um Wenke Hardt (Regie/Konzeption), Alexander Schulz (Ausstattung seit 2006) und Eli Ho (Choreografie seit 2013). Die Schauspielerinnen und Performerinnen Claudia und Monika Wiedemer sind u.a. seit 2009 Teil des Teams. Choreografiertes Theater. Minimalisitsches Kopfkino. Auf der Bühne so wenig als möglich, in den Köpfen der Zuschauer die ganze Welt. Theater als Schutzraum gegen Reizüberflutung.

Opera shouldn't be reserved for expensive high society events. Opera needs to be out amongst the people. Its need isn't just to be listened to and enjoyed, but for questions to be asked. It seeks not just admiration, but involvement.
That is why the HAUPTSTADTOPER unites opera professionals and beginners. A group of freelance artists, gathered around the soprano Kirstin Hasselmann, produces grand art in petite sizes. They create an intimacy for which the big stages are too big. Contact and close proximity between the artist and the audience are a priority.
No opera glasses needed here!

WIR SIND VOLKSTHEATER!
Seit 2009 macht der Heimathafen Neukölln Theater mitten im Bezirk. An der Neuköllner Karl-Marx-Straße prallt der weltstädtische Kontext mit seinen Herausforderungen, Spannungen und Möglichkeiten auf den Begriff des Volkstheater mit seinem angestaubten Beigeschmack. Wir möchten Volkstheater neu erfinden, provokant und kontrovers diskutieren und mit Leben füllen.
Wir glauben an ein Theater, das gesamtgesellschaftlich relevante Themen aus einem lokalen Kontext heraus darstellt: Flucht, Jugendgewalt, die deutsche Vergangenheit, Migration, politische Teilhabe, Urbanität, Heimat, Gentrifizierung – die Themen unserer Produktionen sind übertragbar auf urbane Ballungsräume in Deutschland und Europa. Die Stadt und der Bezirk sind nicht nur unser Standort, sondern auch die Inspiration, der Inhalt und Prüfstein unserer Arbeit.

When they collaborate, Hendrik Quast and Maika Knoblich create „theatrical problems“ from which they develope happenings and actions that are specific to situations and locations. Professional expertise emerges from a close cooperation with experts that can be tested on stage in action as well as commentary. Techniques of design and craftsmanship are embedded in theatrical space and time; their objective is a theatricalisation of growth processes so that the usual views of nature are pushed to the bounda-ries of naturalness and artificiality. In their work they integrate regional communities such as clubs and amateur ensembles that join together in rural rituals based on common activities.

Henrik Kaalund ist freier Choreograph und Tänzer und seit 2001 freiberuflich. Er hat mit vielen Choreographen und Tänzern weltweit gearbeitet und sogar verschiedene Preise gewonnen. Zudem unterrichtet er Zeitgenössischen Tanz.

The mountain is calling! Animated by the audience’s brisk reception that has granted a literally full (fairy tale) cabin every evening, and full of irrepressible joy of the craft, the founders of the “Hexenkessel Hoftheater” – Jan Zimmermann (stage director and author), Roger Jahnke (production manager and actor), and Carsta Zimmermann (actress) – revive the beautiful “Pfefferberg” Theatre with new classic pieces. Henceforth, along with the (“Hexenkessel Hoftheater”/ “Märchenhütte”) fairy tale cabin’s longstanding actors – Vlad Chiriac, Torsten Schnier, Michael Schwager und Andreas Köhler – next to the well-known precursors Shakespeare, Molière and further, they also play Kleist, Büchner and their kinsmen; all the pieces adapted the “Hexenberg” way.
The established ensemble, that has been firmly rooted in Berlin’s theatre scene for over 20 years, brings modern popular theatre to a familiar setting, and acted out with glowing passion.

Melanie Jame Wolf makes work about love, gender and economies. Under the name Savage Amusement she has presented work in various contexts including Sophiensæle and the NGBK.
Baly Nguyen is a sound artist and performer. Her focus is on essential explorations with sound as well as installation and performative room designs. She has presented her works at the Sophiensæle and Mousonturm Frankfurt.
Damian Rebgetz´s music theatre performances investigate sound phenomena and hearing practices inspired by the combination of autobiography, science and fiction. The co-productions “Something for the Fans” and “The Hooks” have already been shown at HAU Hebbel am Ufer. As part of the HAU-festival “Heiner Müller!“ he presented “Just Call Me Angel of the Morning”. Since 2015 Rebgetz has been an ensemble member at the Munich Kammerspiele.
Fabian Holle works as a performer and is the owner of Ponies theater in Rotterdam, where he creates his own productions. At the Munich Kammerspiele he works for a monthly party with drag performances.

HOR is an artistic collective consisting of Actors, Musicians and Visual Artists that have been working together since 2009. Through the collaboration of the varying disciplines visual and sound installations are produced presenting the audience with a rare and unprecedented, sensory experience. 
Together with the Theater unterm Dach/Berlin and other co-production partners, HOR produces thematic works for adults and works for children being based on literary sources.

Howool Baek is a Korean choreographer, based in Berlin.
Beginning of her choreography works were focused on limited space and discovery of movements which could be created in limited space. Through that her work has been developed in a direction to explore human body and to change the body perception.
Recently her focus is to discover the movement possibilities and own expressions of individual body part.

HYOUNG-MIN KIM, geb. 1980 in Seoul, Korea, studierte 1998-2002 Tanz an der Korea National University of Arts, School of Dance, und war 2002-2003 Gaststudentin am EDDC (NL). Sie tanzte u.a. mit Thomas Ostermeier, Constanza Macras/ Dorky Park und Toula Limnaios, Berlin. Seit 2002 choreographiert sie eigene Stücke, gezeigt u. a. auf der Tanzmesse Düsseldorf „D.M.Z", am Theater Winterthur „Hippocampus", in Seoul und in Berlin. 2008 entstanden „Hello" (Melkweg, Amsterdam/ Peak Nam Jun Art Center Opening, Korea) und „Call back", das beim Spring Wave Festival in Seoul und in den Sophiensæle Berlin bei den Tanztagen aufgeführt wurde. 2009 choreographierte sie zusammen mit Lena Meierkord "(making of) District“, gezeigt während der Tanztage in den Sophiensælen Berlin, sowie beim Seoul International Dance Festival, in Bremen und in Mainz. Zusammen mit Tommi Zeuggin choreographierte sie 2010 im Dock 11 die Arbeit „Guest“, 2011 in den Uferstudio die Arbeit „Ghost“, „DUST(2012)” „Everything Else(2013)” und „The story of those who left (2014)” in RTO Seoul. Ihre Solochoreographie „Gelbe Landschaften(2014)“ zeigte sie im projekttheater Dresden, im Lofft-das Theater Leipzig und im Seoul Art Center. Sie wurde 2014 für ihre Arbeit mit dem “Best Choreography of 2014” in Korea ausgezeichnet. Seit 2010 beschäftigt sie sich umfassend mit den Menschenrechten. Somit sind häufig Themen wie Flüchlingsströme, Migrationserfahrungen, menschliche Bedürfnisse nach kultureller Zugehörigkeit Gegenstand ihrer Arbeiten.

“Hysterisches Globusgefühl” (also known as “globus sensation”, “globus pharyngis” or, somewhat outdatedly, “globus hystericus”) is defined as the persistent sensation of having a „lump in one’s throat“ such as phlegm, a pill, or some other sort of obstruction when there is none.
Hysterisches Globusgefühl (HG) is a coalition dedicated to performance. HG has been responding to periods of political resignation and stagnation of society since 2011.
HG’s work interfaces art with political activism by dealing with forms of protest and social performance. HG’s theatre plays out in public spaces and conversely, fosters public space on stages. The performers subtly stack and then tear down layers of perceptions through performances which are social events that enable the communion of different Publics and present them with absurd strategic solutions to both individual and societal problems.
 Through a rigorous examination of familiar actions, HG asks its Publics to question daily routines. By employing tactics such as irritation they express a ‚Hysterisches Globusgefühl‘ and unified global discomfort. Through performance, the artists aspire to subvert social spaces by interpreting theatre as an opportunity to engage in confrontation by providing a stage to spotlight our own pervasive ennui and an opportunity to take action by challenging the status quo.

Das (Kunst-)Kollektiv Institut für Widerstand im Postfordismus erforscht die kommenden Revolution(en) 2015-2029. Als ein interdisziplinärer Zusammenschluss von KünstlerInnen, TheoretikerInnen und AktivistInnen tritt es in unterschiedlichen performativen Interventionen an die Öffentlichkeit, propagiert eine zukünftige Geschichtsschreibung und lädt zur kollektiven Partizipation. Welche Revolution(en) werden wir erlebt haben werden? (Futur III)
Seit November 2014 veranstaltet das Institut dazu die Performance/Diskurs-Reihe „Forschen am Widerstand im Postfordismus – Work in Progress“ in der Vierten Welt Berlin. Beim SPIELART Festival 2015 in München war es mit der Intervention „Welche Revolution(en) werden wir erlebt haben werden?“ zu Gast. Und im Herbst 2015 hat es mit seiner Intervention für den Stadtraum „Revolutionsautomaten und kollektives revolutionäres Bleigießen für eine widerständige Zukunft“ einen Preis beim Marketing-Wettbewerb des Performing Arts Program Berlin gewonnen.

The art collective Institut für Widerstand im Postfordismus (Institute for Resistance in Postfordism) explores the upcoming revolution(s) 2015-2029. The interdisciplinary association of theorists, artists and activists develop performative interventions, propagate a historiography of the future and invite the public to collective participation. Which revolution(s) will we have had experienced? (future pluperfect)
www.institut-wip.de
www.labelmüller.de

Der internil Verein zur Untersuchung sozialer Komposition ist ein Qualitätslabel für theatralische Dienstleistungen an das sterbende (deutsche) Bürgertum. internil erarbeitet seit 10 Jahren kontextbezogene Performances und Installationen mit starkem Medieneinsatz, in den letzten Jahren exklusiv auf Basis von gesammeltem Internetmaterial und digitalen Technologien. Immer im Fokus: Propaganda.

Ixchel Mendoza Hernández is a Mexican freelance choreographer and dancer based in Berlin. She completed her Choreography and dance studies at Artez Arnheim in 2007. In summer 2007, she received a scholarship of DanceWebEurope, in the frame of ImPulsTanz Festival, Vienna. Since 2011 she extended her practice in to video making in collaboration with the artist Anna Weißenfels. From 2013 till 2015 she has being engaged at the MA SoDA, HZT in Berlin. In 2016 she got chosen for the Einstiegsförderung.
Anna Weißenfels works as a choreographer, dancer and dance teacher in Berlin/Morocco. 2007 she received a BA for choreography/dance at ARTEZ Arnhem. Since then she researches about _ voice anthropology with Ulrike Sowodniok _photo-and videoproduction with Ixchel Mendoza Hernandez, Youness Atbane _ collective body with Frauke Gerhard-Initiative VOLK TANZ TRUPPE.
Anna’s work has recently been shown at 60_minutes Berlin, Ostrale Dresden’15, headlands center in San Francisco, Marrakesh Bienale 6.

ixchelmendozahernandez.weebly.com
www.annaweissenfels.org

Jennifer Ocampo Monsalve ist Choreographin und Tänzerin mit Sitz in Berlin. In ihrem Heimatland Kolumbien hat sie ihre Tanz-Ausbildung begonnen. 2000 geht sie nach Deutschland, wo sie 2004 ihren Abschluss an der Folkwang Universität der Künste in Essen macht. 2004-2009 ist sie Ensemblemitglied beim Tanztheater - Daniel Goldin an den Städtischen Bühnen Münster. Seit Beginn ihrer Zusammenarbeit mit dem Theater im Pumpenhaus Münster (2009) entstanden eigene internationale Produktionen „Hidden Tracks“ (2011), HAPPY PLANET (2012), „Persona“ (2014) und EXIT: Humanity (2015). Außerdem arbeitet sie freischaffend in Koproduktion mit dem DOCK 11 und in Zusammenarbeit mit der Choreografin und Tänzerin Marcela Ruiz Quintero und dem Regisseur Philip Gregor Grüneberg (Produktionen in Deutschland und Kolumbien). Nach ihrer mehrjährigen Zusammenarbeit haben die drei Künstler*innen 2015 ihre Company Hidden Tracks gegründet.

Jasminka Stenz und Jennifer Ocampo Monsalve sind zeitgenössische Tänzerinnen und folgen beide dem Interesse der Komposition im Moment, der Improvisation und instant-composition /dance-making. Ausgebildet wurden sie durch ganz unterschiedliche Tanztechniken und ergänzen sich auf ihre Weise. Jasminka Stenz bringt einen humorvoll skurrilen Charakter auf die Bühne (Ausbildung in Freiburg TIP -Tanz Improvisation und Performance), während Jennifer Ocampo Monsalve durch die Ausbildung an der Folkwang Universität der Künste in Essen eine ausdrucksstarke Grazie in der Bewegung zum Vorschein bringt. Die beide Künstlerinnen leben in Berlin und arbeiten in "not red" zum ersten Mal zusammen.

Jenny Haack (Tanz), Akemi Nagao (Tanz) und Adam Pultz Melbye (Kontrabass) sind sowohl aktive Performer der Berliner Freien Szene, als auch international auf der Bühne unterwegs und haben zuletzt in den Projekten "Out of the blue" (EDEN Studios, 11_2015) und "Suivre" (Dock11, 01_2016) zusammen gearbeitet.
Sie teilen eine Leidenschaft für Improvisation und erforschen das Terrain von Interaktion und Dialog zwischen Bewegung und Klang.
In TRIO erzeugen sie Resonanzräume im Dialog und loten die Überlagerung von solistischem Material zwischen Klang und Bewegung aus.
Weblinks:
Adam Pultz Melbye: www.adampultz.com und soundcloud.com/adampultz
Jenny Haack: www.jennyhaack.de
Akemi Nagao: www.akeminagao.wix.com/akemi-nagao

Joseph Wegmann (USA) and Minna Partanen (FI) are post-hedonists living in Berlin on the precipice of a long-lasting collaboration. With degrees from NYU Tisch in Directing, Scenography & Performance Studies and Helsinki Metropolia in Performing Arts, they take a fluid approach to the development of their work. Currently, they are interested in the cross-section between disciplines while creating performative celebrations of dissatisfaction and being incapable.

Juli Reinartz studied at DOCH and researched at the Royal Institute of Art in Stockholm between 2010 and 2013. The pieces resulting from this research 'We are not in this together yet', 'Atlantic' and 'Really Good Music' were presented in Scandinavia and Germany in venues such as MDT, Kiasma, Black Box Teater, Reykjavik Dance Festival and Uferstudios. Since 2014, Juli lives and works in Berlin. Currently, she is rehearsing a solo on the 'Body of excitement' which will premiere in September 2016.

K.A.U. & Wdowik ist der Zusammenschluss von Philipp Bergmann, Matthias Schönijahn, Thea Reifler (K.A.U.) und der polnischen Regisseurin Małgorzata Wdowik. K.A.U. & Wdowik trafen sich am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen. Seit 2014 nimmt Philipp Bergmann am Mentoringprogramm des Performing Arts Programm teil (Mentorin Katja Sonnemann). Im Jahr 2015 erhielt er die Einstiegsförderung des Berliner Senats.
„TRANSIT MONUMENTAL – Droga Niepodległości“ war die erste Arbeit, die K.A.U. & Wdowik gemeinsam realisierten.

Liz Erber, Vorstand des Studio 77 e.V., hat im Oktober 2015 die Open Stage Serie gegründet. Seit 2008 hat sie regelmäßige Kunstsalons in Berlin und andere Performance-Abende organisiert, in denen sie ihre eigene Choreographie sowie die Arbeit von etablierten und Nachwuchskünstlern präsentierte. Ihr Ziel ist es, eine Plattform anzubieten, auf der Künstler ihre Arbeit öffentlich zeigen können. Außerdem soll so ein Treffen und Networking zwischen Künstlern ermöglicht werden. In Berlin fehlen unkuratierte Performance Events die für alle Künstler offen sind, egal ob sie neu oder bereits etabliert sind. Solche Events sind wichtig für das Wachstums eines Künstlers sowie die Performance-Szene insgesamt. Liz ist seit 2003 Mitglied von „The Field“ in New York, was sie zu diesem offenen Format inspirierte.

Wether EU, Utopia, Math or Brain Research - At first sight the themes of Katja Hensel's productions don't seem to be topics that are easily dramatized. But by finding unusual approaches, those subjects become concrete, even comic without losing their complexity: Actors play European nations licking their wounds in a family therapy, the audience simulates the model of a human brain, Utopia as a Live Dubbing Karaoke... theatre focussing on text and playfulness instead of technical effort.

Katja Hensel ist Schauspielerin und Theaterautorin, produziert eigene Stücke („Wie Europa gelingt - eine EU-Familienaufstellung“, „Lotte und Luis“, „EU only live twice“), spielt am Schauspielhaus Bochum, Zürich, Hamburg, Theater Essen, Bremen u.a. und schreibt an Werkaufträgen (für Kassel, Theater Parkaue Berlin u.a.). Steht öfter in Tonstudios vor dem Mikro.
Tilla Kratochwil ist Schauspielerin in der freien Szene (Sophiensæle, Neuköllner Oper, TuD Berlin, Loft Leipzig u.a.) und an Häusern wie der Schaubühne Berlin, Schauspiel Köln, Centraltheater Leipzig, DT Berlin, Braunschweig, Schauspiel Frankfurt. Arbeit außerdem als Regisseurin und Dozentin sowie für Film und Hörspiel.
www.katjahensel.de

Katja Tannert is a mime and dance artist specialising in physical theater and site-specific work. She works with a rotating ensemble of performers.

Das Duo “Kinbom & Kessner”, bestehend aus dem schwedischen Liedermacher Fredrik Kinbom und der deutschen Theatermacherin Sonja Kessner, performt seine “Lieder von Liebe und Krieg” mit Gitarre, Lap Steel und Gesang und zeigt erstmalig auch erste musikalische Skizzen für das Stück "Eine Kleine Machtmusik" (Theater.Macht.Staat), das am 15. Juni 2016 in der ufa- Fabrik uraufgeführt wird.

KLEINE ZUKUNFT is an audio project based on biographical events and places, that begins as bring us through stories of today to the utopias of tomorrow.

2010 gründeten Jule Torhorst, Florentine Schara und Angela Hundsdorfer KOLONASTIX - Theater für Kinder und Jugendliche. Zuvor hatten sie in unterschiedlichen Projekten sowohl im Bereich Kinder- und Jugendtheater als auch in der Theaterpädagogik zusammengearbeitet und ihren gemeinsamen ästhetischen und theaterpraktischen Leitfaden entdeckt. Die Gruppe bemüht sich, durch niedrigschwellige Angebote (Spielorte im direkten Wohn- und Lebensumfeld der Kinder) auch Kindern aus bildungsfernen Familien den oft verwehrten Theaterbesuch zu ermöglichen.

Kommando: SpitzBube versteht sich als Künstlerkollektiv, das jungen Kunstschaffenden eine Plattform bietet, um in der gemeinsamen Arbeit ihre Fähigkeiten zu erweitern. Jährlich entstehen hier Produktionen in den Bereichen Film und Theater. Die Theaterinszenierungen von Kommando: SpitzBube sind an sozialpolitischen Themenstellungen orientiert.
Nach „Frankensteins Monster“, der ersten Tournee-Theater Produktion, entstanden die eigenständigen Zweige Film und Pädagogik. So entstehen 2016 erstmals zwei Eigenproduktionen von Kommando: SpitzBube, eine Film- und eine Theaterproduktion.

Kostia Rapoport, 1984 in Russland geboren, lebt seit 1990 in Deutschland. Klavierunterricht in Klassik und Jazz, später diverse Band- und Studiotätigkeiten. 2003-2009 Studium der Komposition zeitgenössischer Musik an der Hochschule für Musik und Theater Hannover. Studienaufenthalte am Central Conservatory of Music in Peking und an der CNSM Paris. Er komponiert digital beeinflusste Musik, arbeitet an Remixen, Film- und Bühnenmusiken, Installationen, Hörspielen, spielt Keyboards und Laptop-Elektronik solo und in Bands und Improvisationsprojekten, lebt in Berlin.

Seit bereits mehr als einer Dekade irritiert die Berliner Künstlergruppe Kulturschlund um den Dingen auf den Grund zu gehen. In avantgardistischen Halbwelten zwischen Musik, Theater und Performance versucht sie sich souverän und unorthodox an den Grenzen von Seh- und Hörgewohnheit, Humor, Moral und Philosophie. Die Ergebnisse kommen oft mit einem Knall, schockieren und amüsieren – ohne oder gerade um den Zeigefinger auf das Publikum zu richten. Vor Kontroverse, Liebe und Abscheu scheut man sich nicht.

Von den Tänzern und Choreografen Renate Graziadei und Arthur Stäldi 1994 in Hamburg gegründet, ist das Kollektiv laborgras seit 2000 in Berlin ansässig. Verankert im zeitgenössischen Tanz nimmt die Zusammenarbeit mit Künstlern verschiedener Genres, die Bewegungserforschung und das interdisziplinäre Experimentieren einen wichtigen Platz in ihrem Selbstverständnis ein.
Seit der Gründung des Kollektivs macht laborgras es sich zur Aufgabe, Tanz als eigenständige Kunstform und Sprache zu untersuchen und die eigene Handschrift durch den Einfluss anderer Künstler und Ästhetiken offen zu halten und weiter zu formulieren. laborgras sucht die Auseinandersetzung mit anderen Künstlern, um die Grenzen zwischen Tanz und anderen Kunstformen aufzubrechen, Neues und Anderes entstehen zu lassen und nicht in der eigenen Ästhetik oder Handschrift zu erstarren.

Lasenkan Theater Berlin has performed since 1989 in 18 countries (66 cities) in Europe, Asia, America, Oceania. In 1994 it started Theaterperformances with multiple languages in Berlin and in Canet de Mar near Barcelona.

The Berlin based contemporary Dance Company LAVAMOVER was founded in 2015 by choreographer Anne Gieseke. Composed of the junior and adult company, the ensemble trains and rehearses several times a week. Within the context of "Tanz im August", the LAVAMOVER Company took part in the "Berlin Diagonale 2015" in Dock 11. First production with the Adult Company was a revival of the contemporary choreography 'PRINT(ed)IT', which has been presented in different locations in Berlin and as a guest production at 'Freiburger Festival LABOR MANIFEST'. On the 4th of May 2016 'PRINT(ed)IT' has been performed at the Iternational Festival Freiburg and is now part of the programm of the Performing Arts Festival 2016. PRINT (ed)IT and a few other pieces, the Company is currently working on, will be part of a LAVAMOVER dance film production.

Lea Schneidermann studierte von 2007 bis 2015 Angewandte Theaterwissenschaft an der Justus-Liebig-Universität Giessen. Im März 2015 feierte ihre Abschlussarbeit "Pixel Heroes" am Mousonturm in Frankfurt Premiere. Unter dem Label Eliza Rescue Team entwickelt sie seit 2010 im Kollektiv mit Arnita Jaunsubrēna und Kim Willems eigene Performance Projekte. Die bisher entstandenen Arbeiten "Sehnsucht hinter Masken" und "Der souveräne Mensch – warum Juwelen glänzen und Kieselsteine grau sind" wurden in Offenbach, Frankfurt, Mannheim, Paris und Hamburg gezeigt. "Der souveräne Mensch" wurde 2013 beim Körber Studio Junge Regie mit dem Jurypreis ausgezeichnet.
Seit 2015 lebt Lea Schneidermann in Berlin und arbeitet neben eigenständigen Projekten als Lichtdesignerin im Tanz- und Performancebereich.

LEIEN DES ALLTAGS sind Nele Stuhler und Jan Koslowski in Zusammenarbeit mit verschiedenen Gästen. Sie positionieren sich in ihrer Arbeit zu den ganz großen Themen unserer Zeit und bearbeiten Inhalte, die schon zu genüge bearbeitet wurden und die bereits im Fokus der Öffentlichkeit stehen. Es sind solche Aspekte des (post-)modernen Lebens, die so evident oder allgemein sind, dass sie unspektakulär anmuten und/oder solche, die an der Grenze zur Banalität liegen, so entstanden bereits Arbeiten zu den Themen „Öffentliche Verkehrsmittel“, „Freundschaft“, „Geld“ und „Das Internet“.

Liz Erber: Choreografin, interdisziplinäre Tanzerschaffende, Performerin (Tanz/Theater/Musik). Seit 2003 entwickelt und performt sie zahlreiche eigene Stücke und ist seit 2008 in der Hauptstadt beschäftigt. Ihre Stücke waren u.a. zu sehen im English Theater Berlin, K77 Studio und den Sophiensælen. Ihre Produktion CHORO CORPORA wurde 2012 Finalist beim internationalen “No Ballet“ Wettbewerb.
Dan Farberoff: Interdisziplinärer Künstler, Produzent, und Filmemacher mit internationalen Wurzeln (Kolumbien, Schweiz, Israel, England). Seine Werke wurden u.a. vom Britischen Channel 4, der ABC, sowie im Rahmen der Olympischen Spiele in London in Auftrag gegeben, darunter gab es auch eine Zusammenarbeit mit dem Englischen Staatsballett, der Richard Alston Dance Company sowie der Kanadischen Raumfahrtbehörde.

Lois Bartel is a freelancing perfomance artist and theatremaker. In her artistic practice and research she is currently concerned with relations of voice, language and body. Hereby, she is specifically interested in an understanding of relations as moving and continiously changing. Thereby, the process of interpreting and categorising itself becomes the subject of researching. Lois Bartel recently finished her Master in Performance Studies at the University of Hamburg. Before that she lived and studied for several years in switzerland, where she got her diploma as an actress in the year 2008. Since then she worked as actress, performer and dramaturge in numberous productions in switzerland and germany.

The performance artists Lulu Obermayer and Jule Flierl live together in the house project KuLe, which houses an active stage for performance and new music. They are each others immediate environment and feel connected by feminist sujets. Lulu Obermayer deals with big and small emotions, the (un)conscious and the beautiful on the brink of embarrassment risking her neck.
Jule is busy with voice dances and deals with the problem of the stage.

The LWOWSKI KRONFOTH MUSIKTHEATERKOLLEKTIV is a pool of opera singers, musicians, performers, costume & set designers and video artists. Its pop-up performance series Hauen und Stechen explores new forms of sonar-spatial synaesthesia in musical theatre.
The collective’s artists and set designers breathe new life into venues, transforming them into performative installations: the Sophiensæle, Ballhaus Ost, the Neuköllner Opera, Berlin’s Academy of the Arts, abandoned breweries, military barracks, outdoor club Else and Zur Wilden Renate, the old noodle manufactory Grießmühle, cellars, garages, a closet, a painter’s studio, and cars. After four years at Galerina Steiner in Berlin, this time Hauen and Stechen will be playing at a new secret location.

Maria de Vasconcelos started her carrier in 2000. She studied the Jacques Lecoq´s method in Barcelona. Since then she worked with different companies and directors in Portugal and in Spain and taught Gesture and Improvisation. She was engaged with social and pedagogic projects, in hospitals as a Clown Doctor, sharing teatro do oprimido knowledge in Evora´s prison, etc.
Since 2008 she is focused on her own creations and projects being also a co-author of The Monkey.

María Ferrara studied acting in Madrid 1996-1999 and continued her training with contemporary dance and voice. She has worked with various theatre companies in Spain and England. In January 2014 María moved to Berlin. In 2015 she performed in "Solo on the Move #1", which was funded by the District of Pankow. "Zeitgenössischer Glanz" follows the same interest in the everyday as her instant-composition series "Everyday Pieces" and is also funded by the District of Pankow.

The theater collective Markus&Markus from Hildesheim, Germany, has had a reputation for radical political theater since 2011. Through the confrontation of documentations of realty with the stage as an illusion machine, the group blurs the borders between staging and reality. The collective's productions have received awards - including an award from the Kapitalismusschredder (»Capitalism Shredder«) festival - and have been invited to numerous festivals.

Studierte Tanz in Kolumbien und an der Folkwang U. Essen mit Pina Bausch. Sie wurde auf Festivals u.a. nach Frankreich, Italien, Ecuador und Brasilien eingeladen. Sie gründete die deutsch-kolumbianische Gruppe Periferic Berlin/Bogotá. Ihr Stück „Self-portrait with Mask“ wurde mit dem Publikumspreis beim Festival 100° Berlin ausgezeichnet und für den Nationalen kolumbianischen Tanzpreis nominiert. 2010 entstand am Dock11, unterstützt durch eine Einstiegsförderung des Berliner Senats, “The Second Time in Between”. 2012 zeigte sie in Bogotá ihre Arbeit “Transparente”. 2013 hat sie im Theater Basel für Volker Lösch die Choreographie für “ANGST” entwickelt, und hat ein Tanzstipendium von dem Berliner Senat erhalten. 2015/16 hat sie mit Teodor Currentzis und Sasha Waltz & Guests im Radialsystem V performt. Sie ist künstlerische Leiterin des Festival Plataforma/SurReal Berlin und Kuratorin für die Tanz Biennale in Cali, Colombia.

Max Howitz did his diploma in contemporary puppetry at the Academy of Dramatic Art "Ernst Busch" Berlin. In his work he is focused on site specific theater, trying to find out all the advantages and possibilities which don't fit in a theater building.
Thereto he did plenty of experiments, inviting strangers in his private apartment, which has led to the play "ALL DAY - Homeplay" at the same location. He followed an invitation to the SARUS Festival for site specific art in North Carolina, USA to develop a new performance in a cottage, which shows the every day life of a German, based on interviews with americans. There he gave as well a lecture and a workshop about site specific theater.

Max Howitz did his diploma in contemporary puppetry at the Academy of Dramatic Art "Ernst Busch" Berlin. In his work he is focused on site specific theater, trying to find out all the advantages and possibilities which don't fit in a theater building.
Thereto he did plenty of experiments, inviting strangers in his private apartment, which has led to the play "ALL DAY - Homeplay" at the same location. He followed an invitation to the SARUS Festival for site specific art in North Carolina, USA to develop a new performance in a cottage, which shows the every day life of a German, based on interviews with americans. There he gave as well a lecture and a workshop about site specific theater.

Choreographer, dancer, performer and dance educator, based in Berlin (after 10 years of work in Warsaw). Director of dance and theater projects (with professional artists, children and youth, immigrants, blind, deaf people). In her works she combines a variety of techniques and styles of dance with somatic practices, performing arts, theater and visual arts. Currently focused on projects between choreography and visual arts and cooperation projects between artists from Berlin and Warsaw.

Felix Scheer and Jasper Tibbe, despite the present absence of Julian Meding, present their routine of out of tune feelings and some songs as MedingScheerTibbe. They call it: “On days like these, you wish for sensitivity”.

Michael Vorfeld (www.vorfeld.org) makes experimental and improvised music using percussion, self-designed string instruments and electro-coustic sound art. He has toured in Europe, USA and South-East Asia.
María Ferrara (www.mariaferrara.net) plays between concretion and abstraction with dance, voice and words, combined or on their own. Her focus is on finding the new in the everyday.
Ingo Reulecke (www.ingoreulecke.com) is choreographer and professor at Hochschulzentrum Tanz in Berlin, HZT. He is one of the best known dancers and curators of the Berlin instant-composition scene and has a particular interest in intermedia formats.
Justin Buckley composes electro-acoustic music. His work was commissioned by the Apex Art Gallery - New York City in 2012. www.soundcloud.com/justin-buckley

Irina Kowallik - born in Berlin - training at Mime Theater Berlin (Mime corporel, Mime, masque) further training body and dance theater - theater teacher - since 1990 working as a director and actress - MA Theatre and Cultural Studies - in 2003 and 2004 two solo productions: Kein Zurück and Noctiluca and in 2015 the third solo OPHELIA-Triptychon.

Mirjam works as an independent choreographer in Berlin. Her work has been performed in London, Berlin, Switzerland and Ireland. Her research looks at queries regarding authenticity in the correlation between sensation and physicality. Her latest work, the duet unknowing, premiered in October 2015 at Theater Roxy Basel. In 2016 she will create a durational performance for Candoco Dance Company at the Wellcome Collection London and lead a cross cultural Community Dance project in Basel.

Modjgan Hashemian, is a freelance choreographer in her native town Berlin. 

She looks back on a varied dance and choreographic past. 
Her dance pieces are based on “real” stories, dealing with implementation and resistances in the social and political context. They represent a combination of documentary components and the search for an interpretation of these stories through the own body language with focus on interdisciplinarity. She collaborates on international level, particularly in Iran and Iraq.

MORPHTHEATER ist ein Zusammenschluss von professionellen Schauspielern und Mitarbeitern um den Regisseur und Autor Kai Schubert. Neben Engagements im Stadttheater-Kontext nehmen wir uns immer wieder die Zeit für Produktionen, die unseren eigenen Vorstellungen entsprechen, auf das Publikum zuzugehen. Dabei suchen wir für jede Produktion, jeden Inhalt eine eigene Form, einen eigenen Raum. Die Darstellungsmittel „morphen", d.h. wandeln sich, je nachdem, was erzählt werden soll.

MS Schrittmacher is a pool of freelance, artistically connected choreographers, dancers, performers, composers, writers as well as stage, costume and lighting designers.
The continuity in the work and the further development of forms and ideas were and are important aspects of the group’s identity.
In the past years MS Schrittmacher has made a name for itself with very different pieces and formats. The group stands for a sociopolitical examination, which always intervenes in the daily life and the immediate experiences of the people. To come up to this claim the group has dissolved consequently the classical audience situation and has entered more and more the public space with their performance formats.

"multicultural city" ist ein Künstlerkollektiv, das von Monika Dobrowlanska in September 2012 gegründet wurde. Wir suchen künstlerische Auseinandersetzung mit der Lebenssituation von sozialen Randgruppen, Benachteiligten und Minderheiten. Wir lassen uns inspirieren von dem Standort Berlin als multikultureller Weltmetropole. Wir behaupten, dass unterschiedliche Religionen, Hautfarben und Weltanschauungen zu Deutschland gehören. Wir wollen das gegenseitige Verständnis, Toleranz und Respekt durch die Auseinandersetzung mit Vorurteilen und Stereotypen fördern. Wir erforschen und entwickeln experimentelle Bühnenformen, die aus der Begegnung verschiedener Kulturen und Künste resultieren. Wir bieten eine Plattform, die Künstlern aus Ost- und Westeuropa und außereuropäischem Ausland eine Arbeitsbegegnung ermöglicht. Besonderer Schwerpunkt liegt darauf sich über politische Barrieren hinwegzusetzen und Künstler aus politisch isolierten Ländern in den gemeinsamen Prozess zu integrieren. Die erste Premiere von multicultural city „Displaced Women“ fand am 23.05.2013 am Maxim Gorki Theater statt.

Nir Shauloff, born 1983 in Jerusalem, Israel, is a performer and a theatermaker, based in Jaffa.
Arne Vogelgesang, born 1977 in Berlin/GDR, is based in Berlin. He studied theatre directing in Vienna and has been devising multimedia performances with his label internil since 2005.

NOVOFLOT is a Berlin-based independent opera company. Since its foundation in 2002 they have developed various project formats. After Krenek’s "Bell Tower" and Traetta’s "Antigone" they staged the ten-part opera saga "Kommander Kobayashi", the trilogy "HOW WE FEEL", "The Christmas Oratorio", "Parisian Life", "The Castle", "Victory over the Sun #1-#5", "T-House-Tour #1-#5" and the current project "National Opera #1-#3". Collaboration partners have been Sophiensaele, Radialsystem V, Hamburg State Opera, UltraSchall Festival, Warsaw Autumn, Teatr Wielki Warsaw, Théâtre National du Luxembourg, Trafó Budapest, Transmediale, Haus der Berliner Festspiele, Hamburger Bahnhof, Academy of the Arts and Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz. In 2014 NOVOFLOT were awarded the George Tabori Prize.

Olivia Hyunsin Kim (ddanddarakim) arbeitet als Choreografin und Performerin in Berlin. Sie hat Tanz und Choreografie an der Falmouth University (Dartington College) und am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft Gießen und der HfMDK Frankfurt studiert. Ihr künstlerischer Schwerpunkt liegt auf Erinnerungen und ihrem Einfluss auf Identitätskonstruktionen. Sie spielt vorzugsweise im Spannungsfeld zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, Realem und Fiktivem. Sie war Stipendiatin u.a. beim DAAD und ist seit 2014 Mentee beim Performing Arts Programm Mentoring. Ihre Arbeiten wurden in Europa und Asien gezeigt und die letzte Produktion „she came, she saw, she said: meme“ feierte bei den Tanztagen Berlin 2016 in den Sophiensælen Premiere.

ONCE WE WERE ISLANDS is Chris GYLEE (scenographer / theatre-maker) and Richard ASLAN (writer / theatre-maker). Our work begins with strong collaborations and incorporates components of performance, theatre, installation, event making, bookwork and choreography. We create interlocking performative machines to enact scores and rituals that encourage surprising thought patterns to arise. We see our work as an investigation into kindness, empathy and queerness, and war, capitalism and patriarchy.

Out Of The Box was launched by actress, choreographer and clown Florentine Schara. Under this label theatre based cross over art projects with artist from different fields of the arts – theatre, music, movement, visual arts and film – are developed. Based on this diversity of artistic elements they strive to create performances with colourful comical, tragic and often poetic moments.
This first production “Paula Feuerborn’s Boxes of Pandora” tells the story of a woman fighting with the memories from her past life in a fresh and stunning mixture between acting, physical theatre, animation film and music with enchanting, touching and literally moving imagery.

Paradise Garden Productions wurde 2002 von Jens Vilela Neumann in Utrecht/NL gegründet und hat seinen Hauptsitz in Berlin. Es ist ein offenes Netzwerk, in dem sich Künstler, Kulturschaffende und Aktivisten unterschiedlichster Disziplinen engagieren – ein internationales, multimediales Ensemble zwischen den Kulturen und den Künsten. Für konkrete Projekte bringt PGP Schauspieler, Tänzer, Musiker, Theaterwissenschaftler, Autoren, Journalisten und Filmschaffende zusammen. Bislang fanden Projekte in den Niederlanden, Deutschland, Angola, Mosambik und Simbabwe statt.
PGP stellt sich zur Aufgabe, historische oder gesellschaftspolitische Konflikte zu analysieren und durch künstlerische Prozesse zu katalysieren.

Patrick Faurot is an American choreographer, director, and pluri-disciplinary performance artist based in Berlin. His productions since 2014 have been focused on a research into experimental opera, combining elements of contemporary dance theater with classical and new music, including un(_)requite(_)d (2014) and Vvedensky Train (2015), both shown at the Acker Stadt Palast. Simultaneously, Faurot has been exploring a solo performance format, based on the works of painter Francis Bacon and Gilles Deleuze’s well-known analysis Francis Bacon: The Logic of Sensation. In works such as Diastole-Systole (2013), Immolation (2015), and Konkordanz (2015), Faurot seeks to create a compositional frame in which the constrained body acts as a canvas upon which “invisible forces are rendered visible.”

Since the 1990s the focus of Phil Collins’s diverse work has been the position of the individual and of the collective in our image-dominated society. Characteristic of his approach is a close engagement with place and communities. Works by Collins have been shown in museums, galleries, and at film festivals worldwide. His works can be found in public collections such as those of the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York, and the Tate Gallery in London. “This Unfortunate Thing Between Us – A Teleshopping Broadcast In Full Colour” (2011), “Tomorrow Is Always Too Long” (2015), “marxism today (prologue) / use! value! exchange!” (2015) and “my heart’s in my hand, and my hand is pierced, and my hand’s in the bag, and the bag is shut, and my heart is caught” (2015) have already been seen at HAU Hebbel am Ufer. He is Professor of Video Art and Performance at the Academy of Media Arts in Cologne. Collins lives and works in Berlin.

Oliver Zahn
*1989, studierte Regie an der Bayerischen Theaterakademie. Während des Studiums entstehen die Performances SITUATION MIT AUSGESTRECKTEM ARM (Nominierung als bester Nachwuchskünstler in der Kritiker*innenumfrage von Theater Heute) und SITUATION MIT DOPPELGÄNGER, die an zahlreichen Theatern im deutschsprachigen und europäischen Raum gespielt werden.

Phoebe Wright-Spinks
*1992 ist eine Künstlerin aus London, die in den Bereichen Performance und Mixed Media Installation arbeitet. Sie ist ein Fünftel von ,Breathing Space‘, einer Choralgruppe, die zeitgenössische und klassische musikalische Elemente kombiniert und ätherische, hypnotische Klänge kreiert. Die Gruppe singt ohne Instrumente und verwendet die elektronischen Klanglandschaften des Soundkünstlers Stephen Shiell als Begleitung.

The MINIMAL IMPROVISATION RESEARCH COLLABORATION (MIRC) was founded by the duo Phyla - Jennie Zimmermann (dance, music) and Gisbert Schürig (music), to bring to the stage their concept of MINIMAL IMPROVISATION. The group consists of dancers and musicians from diverse backgrounds with a shared interest in contemporary forms of improvisation in music and dance: Naïma Ferré (dance/France), Gali Kinkulkin (dance/Israel), Angelika Hammer (dance), Christin Dross (music, dance), Vincenz Kokot (dance).

"Alles in der Welt ist Torheit, nur nicht die Heiterkeit", fand schon der Alte Fritz. Und weil er Recht hat, bringt die Komödienmanufaktur "Pomp & Puder" Theaterstücke aus vergangenen Zeiten auf die Bühne. An Aktualität haben sie nichts verloren, an ihrem Witz nichts eingebüßt. In ihnen treffen Verliebte und Eifersüchtige, Naive und Heuchler, Eitle und Arrogante, Gewitzte und Geizige aufeinander – und natürlich nehmen sie sich schrecklich ernst und können alles, nur nicht über ihren eigenen Schatten springen. Das führt zu absurden Missverständnisse und komischen Verwicklungen oder besser: Zu großen Komödien, in denen sich jeder wiederfinden kann. Dabei spielen wir in der Tradition des klassischen Wandertheaters des 16. und 17. Jahrhunderts.

post theater ist eine Multi-Media-Performance Company von Hiroko Tanahashi (MFA Design & Technology, Parsons School of Design, New York) und Max Schumacher (MA Performance Studies, New York University) mit Niederlassungen in Stuttgart und Berlin. Seit 1999 zeigte post theater 60 Produktionen zwischen Tanz, Theater, Medienkunst in über 20 Ländern in Asien und Europa.

'progresstheater' primarily functions as a summary term for the realization of single projects within the scope of performing arts. A first play 'Flimmern' was implemented in the end of March. More plays and projects are work in progress. The next one is due to take place in the end of May. At the beginning 'progresstheater' attempts to realize a collective way of working without a solid collective. It pools individual skills, is subject to a development process with itself and its environment.

During the early ‘90s, a pseudo-industry of weddings emerged in Romania. Throughout the country, hundreds of bands developed the predilect sound of family events, which later became known as “proto-manele”, a mix of electrified oriental pop and local flavors. Raze de Soare’s EP Albatros is a tribute to the eponymous “proto-manele” band that pioneered the minimal synth sound of restaurant music.

Ren Saibara is Performer, actress and director from Japan. There she founded the artist collective actnetwork. She studied German studies in Tokyo and Historic Urbanism in Berlin. in Japan she participated in several international theater festivals. In her works she crosses Japanese materials with a European perspective to discover the globally several times comprehensive mechanisms in current social problems.

Die RETROFUTURISTEN sind eine freie Theater- u. Puppencompagnie mit Sitz in Berlin, spezialisiert auf das Erfinden schräger Dystopien und die Suche nach ungewöhnlichen Erzählformen. Ihre Arbeiten bilden eine Symbiose aus modernem Puppen- u. Objekttheater, Schauspiel und Musik und werden auf nationalen und internat. Festivals gezeigt. Die Gruppe bewegt sich im Spagat zwischen Eigenproduktion und Auftragsarbeit, kooperiert mit deutschsprachigen Theaterhäusern (zuletzt Schauspiel Dortmund) und Partnern der freien Szene (zuletzt Papermoon Puppet Theatre, Indonesien).
Das Team fand sich während des gemeinsamen Studiums an der HfS „Ernst Busch“ und besteht aus Roscha A. Säidow (Konzeption, Text, Regie), Magdalena Roth (Konzeption, Puppenbau, Spiel) und Franziska Dittrich (Konzeption, Spiel).

RICHTER/MEYER/MARX (Berlin) ist ein interdisziplinär arbeitendes Künstlerkollektiv.
Das Performancekollektiv besteht aktuell aus einer Stuntfrau und ausgebildeten Choreografin, einem Fashion-Designer, einem House-Produzenten und einem studierten Philosophen und Tanzdramaturgen.
RICHTER/MEYER/MARX (Berlin) suchen seit Oktober 2013 nach Verbindungen zwischen Text und Tanz, zwischen Performing Arts und Publikum, zwischen Bühne und Bildender Kunst. Dabei beschäftigen sie sich vor allem mit Fragen von Identitäten, Körperrepräsentation und -dekonstruktion sowie mit politischen Strategien von Kollektivismus.
2014 erhielten sie für "repair:move" den 1. Preis für das Beste Tanzsolo beim 6. International SoloDuo Festival NRW +friends Köln. Die Jury-Begründung lautete: "Within a very strong conceptual and visual frame, the choreography shows a consequent minimalism with a contemporary sense of humour." Sie wurden zudem für den Premio Arte Laguna, den Kunstpreis der Stadt Venedig (Italien), 2014 und 2015, in der Kategorie Performance sowie 2014 für den Celeste Prize Milano (Italien) nominiert. Im Juni 2015 eröffneten sie mit der Sozialen Skulptur BODIES IN THE WIND die Biennale Sculpture by the Sea in Aarhus (Dänemark).
Sie leiteten seit 2013 zudem mehrere Community Performance Projekta mit Jugendlichen fremdsprachiger Herkunft u.a. in Leipzig und Hohenems (Österreich).

Rolf Kasteleiner und die Kompanie Lapama mit Sitz in Berlin und Paris führen seit 2003 Theaterprojekte zwischen Deutschland und Frankreich durch. Bekannt wurde die Kompanie durch den Erfolg von WARTEN AUF GODOT IN GEBÄRDENSPRACHE, das in verschiedenen Theatern in Deutschland und Frankreich und auf dem Beckettfestival 2006 in Scandicci (Italien) gezeigt wurde.
Seit dem Netztheaterprojekt ANRUFUNG DES HERRN (Text: Martin Heckmanns), dessen Inszenierung auf zwei Orte simultan ausgeweitet wurde, versucht die Kompanie die Schnittstelle von Digitalisierung und Theater weiter in ihren Produktionen zu erforschen.
Die Trilogie INTERNET IDENTITY markiert eine neue Etappe, wobei die Schauspieler als Spielfiguren in einem Computerrollenspiel in miteinander verbundenen Räumen agieren. Die Zuschauer haben eine zentrale Rolle, da sie das Spiel steuern und Entscheidungen treffen müssen, die ihre eigene Position zur Technisierung des Menschen hinterfragen.

Ihr Schauspielstudium absolvierte sie von 2000 – 2004 an der Bayerischen Theaterakademie „August Everding“ in München. Danach folgten Engagements an verschiedenen Stadttheatern. Seit 2012 realisiert sie ihre eigenen Projekte. Ihre erste Arbeit als Regisseurin, Produzentin und Darstellerin war das Solo “Missing Alice”, das in Zusammenarbeit mit dem KaterHolzig Berlin entstand. Daraus folgten eine Reihe von Gastspielen und Einladungen zu Festivals im deutschsprachigen Raum. In dem Stück experimentiert sie mit verschiedenen Ausdrucksmitteln wie Video, Hör- und Puppenspiel.
Die One-Woman-Show “Blanche” entwickelte sie mit dem israelischen Regisseur Shlomo Lieberman. Für ein Gastspiel an der Universität in Tel Aviv erarbeiteten sie auch eine Englische Version des Stückes, das seitdem in verschiedenen Ländern aufgeführt wird.
Die aktuelle Performance „Neverland“ ist ihr erstes Projekt, das Schauspiel und Musik miteinander verbinden soll. Dabei sucht sie mithilfe von elektro-musikalischen Mitteln nach neuen darstellerischen Ausdrucksformen.

Das TAK Theater im Aufbau Haus verfügt über kein eigenes Ensemble, arbeitet aber regelmäßig mit verschiedenen Gruppen der freien Szenen und Instituten zusammen. Jährlich produziert das TAK Theater gemeinsam mit dem im Haus ansässigen Verlagen Aufbau oder Blumenbar ein Live-Hörspiel, das von den Studierenden des 3. Jahrgangs Schauspiel unter der Leitung der Regisseurin Bernadette Sonnenbichler umgesetzt wird. Die Schnittstelle zwischen Lesung, Spiel und Klangatmosphäre entwickelt ihren ganz speziellen Reiz, die scheinbar reine Lese-Arbeitsatmosphäre verdichtet sich zur Begegnung mit den Romanfiguren.

Sebastian Brünger hat Betriebswirtschaftslehre und Politikwissenschaft an der Universität Mannheim und der Johns Hopkins University Baltimore studiert sowie an der Humboldt-Universität zu Berlin über den Umgang deutscher Unternehmen mit ihrer NS-Vergangenheit promoviert. Von 2005 bis 2015 arbeitete er als Dramaturg im Autoren-Regie-Kollektiv Rimini Protokoll und recherchierte Themen und Personen für Projekte wie "Wallenstein, Karl Marx: Das Kapital, Hauptversammlung oder Qualitätskontrolle." Seit Februar 2016 ist er wissenschaftlicher Mitarbeiter bei der Kulturstiftung des Bundes und leitet das Förderprogramm Doppelpass – Fonds für Kooperationen im Theater.

Shai Faran is an Israeli dancer, teacher and choreographer, based in Europe.
After studying in the dance department at the Misgav High School, she continued her studies at the Haifa dance workshop for dancers and choreographers.
In Israel, she danced for the Kibbutz Contemporary Dance Company II, the Sigma Ensemble and the Dafi Altabab Dance Group.
She has worked with different choreographers such as Matej Kejzer, Maya M.Caroll, Zoe Knights, Yuval Pick, Shumpei Nemoto, Maura Morales, Alessandro Sciarroni, David Hernandez and more, performed around Europe and taught in different frames for professional dancers, high education programs, non-dancers and beginners and in open workshops around Europe.
She created several works which won scholarships from the America- Israel Cultural Foundation and the foundation named after Ehud Manor.

SICILIANO CONTEMPORARY BALLET ist eine neue Tanzkompagnie aus Berlin. Nach Erfolgen als Choreograph in Italien, Griechenland, Spanien und Deutschland gründete Salvatore Siciliano die Kompagnie im Januar 2015. Siciliano Contemporary Ballet will uns daran erinnern, wie essentiell die Beziehung zu unseren Instinkten ist und dass sie Freiheit brauchen, um sich zu entfalten.

Siniša Mitrović, the unpredictable half of Shady Lane Productions.
Likes: broken neon, trash (don’t go pick it up), and the electric pulse of sleaze.

Steffen Klewar, Regisseur und Schauspieler, studierte Schauspiel an der Universität der Künste Berlin, zuvor u .a. Komparatistik und Theaterwissenschaft in Bochum und Darmstadt. 2007 gründete er neben dem Schauspielstudium zusammen mit dem Autor Jörg Albrecht das Theaterkollektiv copy & waste, das sich in unterschiedlichsten Formaten mit Veränderungen der Städte im 21. Jahrhundert auseinandersetzt. Er ist Regisseur in den meisten Inszenierungen der Company sowie gelegentlich Performer, arbeitet aber auch als freier Regisseur an Stadt- und Staatstheatern. Inszenierungen am Schauspiel Leipzig, Staatstheater Darmstadt, Theater Oberhausen, Maxim Gorki Theater Berlin, Theater Chemnitz, HAU Berlin, Ringlokschuppen Mülheim, Treibstoff Theatertage Basel, FAVORITEN Festival NRW, Kleistforum Frankfurt/Oder, aber auch in „Nicht-Theater-Räumen“ (Clubs, Plattenbauten, Transiträume, Scheunen, Weinberge, Wohnzimmer). sowie Gastspiele u.a. im Schauspielhaus Wien, Heidelberger Stückemarkt, Theater Rampe Stuttgart, Steirischer Herbst Graz, Theaterdiscounter Berlin, Sophiensæle Berlin, Schauspiel Frankfurt. An der Hochschule für Musik und Theater Rostock arbeitet er regelmäßig als Dozent für Schauspiel.

suite42 led by theater director and dramaturg Lydia Ziemke, is a collective of international theatre practitioners and artists committed to work that engages with remarkable historical moments and in particular with the effects of violence, war and migration on society and individuals. suite42 focus does not lie on performance alone, but also on forming a context to each work from academic and other artistic sources.

Sunia Asbach and Darko Radosavljev first collaborated while working on the youth dance project „Hip H'Opera“ at the Komische Oper, Berlin, in 2006. After both of them finished school, Sunia first completed the Dance-Intensive-programme at Tanzfabrik Berlin followed by a two-year training in Dance at the Varium in Barcelona. After that, she sucessfully graduated from Konservatorium, Privatuniversität Wien, Vienna with a BA-degree in Contemporary Dance Pedagogy. Darko holds a BA in Dance from Folkwang University of the Arts, Essen and continued his education at P.A.R.T.S. in Brussels, where he completed the Research Cycle in 2014. Supported by a foreign exchange scholarship, he attended Goldsmiths University, London for a post-graduate degree in Art and Politics (MA). Finishing their respective education and returning to Berlin was the incentive for both of them to work on a new piece together.
Both Darko and Sunia are interested in various dynamics of movement (also in the form of historical research) and the examination of qualities of movement, including inanimate objects.

Anja Kolmanics studied dance at the Conservatory of Vienna and at the Institut del Teatro Barcelona. She lives in Berlin and has worked there as a dancer for seven years now. Her most urgent matter of concern for some considerable time has been to find opportunities to publish works of inquiry, try outs and miniature productions and so to speak enable a place of casual exchange among young artists and a curious audience off the established locations of dancing and performances. Her first „late night perform“ evening she organizes together with the choreographer and dancer Martina Rösler, artist Lisa Müller-Trede and the dancer Verena Kutschera.

Banafshe und Frederik arbeiten seit 2013 miteinander, teilweise mit weiteren Performer*innen, zuletzt mit queeren Performances im Berliner Club SchwuZ, beim 100° Festival Berlin und mit dem Ministück "Meine Nase läuft" am Theater Drachengasse Wien (alles 2015). Seit 2016 füllt Golschan eine bis dahin schmerzvoll leerstehende Lücke. Sie ist Kulturwissenschaftlerin und findet: Die Theaterlandschaft in Deutschland ist weiß. So weiß wie das Edelweiß, das in jedem guten Heimatfilm gepflückt werden muss, um das richtige Sehnsuchtsgefühl zu vermitteln. Wir setzen den Kontrapunkt als 3 Künstler*innen, die aus biographischen, künstlerischen, politischen Gründen & Entscheidungen in der hiesigen Theaterlandschaft nicht der Norm entsprechen.

The Berlin Opera Group is a group of international professional opera singers from America, Ireland, Canada, Israel, and Australia, who have come together with their shared love for beautiful music in order to bring that music to life on stage. Their goal is to combine quality, beauty, passion, and sincerity in a magical creation of art.

Das Theater der Migranten wurde 2008 gegründet. Es versteht sich als Plattform eines sozialen und kulturellen Austauschs. Es bietet eine künstlerische Heimat für diejenigen, die unterwegs sind, auf der Flucht vor Krieg, Elend und Perspektivlosigkeit. Vor dem Hintergrund der politischen Auseinandersetzung mit Fragen der Grenzen und Residenzen werden hier dem Zusammenleben in einer offenen Gesellschaft neue Impulse gegeben. Die transkulturelle Theaterarbeit steht für den Dialog unterschiedlicher Bevölkerungsgruppen und für die Stärkung von verborgenen Talenten in einer sozialen Stadt. An der Entstehung der Inszenierungen sind die Mitwirkenden in direkter Auseinandersetzung mit ihren eigenen Erfahrungen und Ideen beteiligt. Durch das Zusammenspiel von körperlichem Ausdruck, Tanz, Sprechtext, Musik und Raumgestaltung formt sich ein modernes partizipatives Performancetheater. Das Theater der Migranten lädt dazu ein, einen kreativen Dialog zu Fragen der Migration zu führen.

The Theater o.N. is a 30-year old association of actors and puppeteers, directors, musicians and writers. Founded in 1979/80 under the name Zinnober, it was the first independent theater in the former GDR. Since the 2010/11 season, the theater located at the famous Kollwitzplatz is focusing on the exploration and advancement of theater for very young audiences (2 years and up). In 2013 and 2015, we presented “FRATZ International: Encounters – Symposium - Festival for the very Young”. And we are developing productions with grade school children and teenagers in socially disadvantaged areas. In our program for adults, we are dedicated to new play development using the methods of biographical theater and puppet theater.

Das Besondere am Theater ohne Probe ist das Erschaffen im Augenblick. Diesen Augenblick gestalten Sie als Publikum interaktiv mit, denn Sie bestimmen, wie unsere Helden heißen, wo sie wohnen und ob die Geschichte eine Reality-Soap oder doch eine Geschichte im Westernstyle wird. Wir, das Theater ohne Probe, nehmen Ihre Inspirationen auf und verknüpfen sie zu einmaligen Momenten. Keine Geschichte wird jemals eine Wiederholung finden oder anderswo auftauchen. Das ist Improvisationstheater oder wie wir so schön sagen: Theater ohne Probe.

Das Theater RambaZamba wurde 1991 von Gisela Höhne gegründet und ist laut Presse das „wichtigste integrative Theater Deutschlands, bei dem Behinderung als Stärke zu erleben ist“. Im Ensemble arbeiten 35 Menschen mit unterschiedlichsten Beeinträchtigungen vollberuflich als Schauspieler. Sie trainieren gemeinsam mit Profis aus dem Theater-, Tanz- und Musikbereich an fünf Tagen in der Woche in den Bereichen szenisches Spiel, Rhythmus- und Körperarbeit, Sprech- und Stimmtraining. Jährlich spielt das Ensemble ca. 80 Vorstellungen im eigenen Haus und auf Gastspielen im In- und Ausland. Auf dem Spielplan stehen klassische Theaterstücke, Musik- und Tanztheater, Kinder- und Jugendstücke. Das Theater RambaZamba und seine Schauspieler erhielten vielfach Auszeichnungen. Die Gründerin und Intendantin des Hauses Gisela Höhne, erhielt 2014 für Ihr Theaterschaffen den Caroline-Neuber-Preis der Stadt Leipzig.

Das Ensemble THEATER.MACHT.STAAT entstand im Jahr 2010 aus einer Gruppe Berliner Schauspielstudenten in festem Glauben an die Veränderbarkeit der Gesellschaft durch die Kunst. Auf den Glauben folgten Zweifel und auf den Zweifel neue Strategien. Mittlerweile haben sich Interessierte und Künstler verschiedener Sparten zum Ensemble gesellt. Der Arbeitsschwerpunkt der Gruppe liegt noch immer in Berlin und noch immer auf politischem Theater, orientiert sich aber weniger an tagespolitischen Themen, sondern versucht komplexere historische Zusammenhänge methodisch zu analysieren und in Literatur zu verwandeln. Das ästhetische Ziel ist eine Form der radikalen Schönheit, das inhaltliche der Entwurf einer politischen Philosophie für die Jetztzeit.

Tilthaus is led under the direction of International theatre artist Nicole Ratjen. She has worked and toured on productions across Canada and throughout Europe, with a key focus on participatory interactive theatre. For the production of Women on a Mound Goes Comedy, she collaborated together with Summer Banks, an international improvisor and comedian.

Mit ihren Projekten verfolgen Tobak Lithium ein Ziel: die Aktivierung der Zuschauenden über den Rahmen eines Theaterabends hinaus. Die Suche nach der Form wird dabei von der Frage geleitet, wie eine inhaltliche Auseinandersetzung provoziert werden kann und wie der (Theater-)Raum beschaffen sein muss, um die Diskussion aufzufangen und zu befeuern. Tobak Lithium stellt so den Theaterabend immer mit zur Diskussion, entzieht ästhetischen Bewertungen die Grundlage und setzt sich mit der Gemeinschaft(-sbildung) der Theaterbesuchenden auseinander.
Seit ihrer Gründung 2011 realisierten Tobak Lithium neben zahlreichen Performances drei größere Projekte: „Die Erzählungen der Alpedrosi“ (Schlachthaus Theater Bern 2011), „Ruine Europa“ (Tojo Theater, Bern 2013) und „Trade Sachs Trust Evening“.

Gefördert durch die Rosa-Luxemburg-Stiftung studierte Royale 2006 - 2011 an der HfS Ernst Busch Zeitgenössisches Puppenspiel. Nach einer Recherchezeit in New York diplomierte er mit seiner Solo-Performance TUCKÉ ROYALE. Die zweite Soloarbeit ICH BEIßE MIR AUF DIE ZUNGE UND FRÜHSTÜCKE DEN BELAG, DEN MEINE RABENELTERN MIR HINTERLIEßEN entstand während des Fleetstreet Residency Programs 2013 in Hamburg.
Seit 2014 tritt Royale mit "Talking Straight" auf - so entstanden die Arbeiten "Talking Straight Festival" (1. Preis Stückemarkt, 2015) und "Aussöhnen mit Deutschland II".
2014 war Royale Stipendiat der Elsa-Neumann-Stiftung des Landes Berlin für die 2015 durchgeführte "Inauguration des Zentralrats der Asozialen in Deutschland". Für die soziale Plastik erhält Royale das Arbeits- und Recherchestipendium des Berliner Senats. Gegenwärtig arbeitet er mit Ginterdorfer Klaßen am Singspiel "L’Ambassadeur".

Theatre as a meeting place: One of Turbo Pascal´s primary fields of interest is how people organise their shared lives in the contemporary world. Using fact and fiction Turbo Pascal create multi-voice imaginative experiments and scenarios, mostly involving the public. Do we think better together or alone? Turbo Pascal works in Berlin at Heimathafen Neukölln, Schaubühne in Lehniner Platz, HAU Hebbel am Ufer and Sophiensaele. As well as stage productions the group also works on dialogue formats for foundations, festivals an exhibitions. From 2012 to 2014 Turbo Pascal was involved with the Stadttheater Freiburg as part of the DOPPELPASS promotion.

Established in 1999, unitedOFFproductions has produced works in the field of theatre, radio plays, the performing arts and video under the artistic direction of Dieter Krockauer (director) and Mirca Preißler (manager, performer). The primary focus of the company is towards the development of performances for the stage. The creative outcomes of the work are further explored through their adaption for various mediums such as radio, live performance and film. 40-50 shows per year.

Vasanthi was first introduced to dance at the age of seven when she took up the classical South Indian dance, Bharatanatyam. In 2007 she began performing in India with Sri Krishna Dance where she continued to train and perform for the next four years, immersing herself in Indian culture and tradition. Alongside she trained in African dance, ballet, and became a choreographic assistant to P.A.R.T.S graduate, Sujata Goel.
She was also the artistic director of student-led Actual Size Dance Company whilst at university and worked with choreographer, Florence Peake. 2014 she graduated from the University of Surrey with a First Honours a Degree in Dance and Culture (BA Hons) and was awarded the Most Creative Student Prize in the Faculty of Arts and Human Sciences. Today she is a freelance dancer with emerging dance companies such as RIAN and Lucidez Dance Company and the Belarus Free Theatre.

Verena Unbehaun lebt als Schauspielerin, Sängerin und schreibende Comedian in Berlin, spielte an der Schaubühne, den Sophiensæle, HAU u.v.a und trat im Theaterformat Planet Porne von Patrick Wengenroth auf. 2001 gewinnt sie den Münchner Kabarettpreis Kaktus. 2005 wurde sie von "Theater Heute" zur besten Nachwuchsschauspielerin nominiert. Sie ist Mitbegründerin der Theatergruppe Mariakron, die mehrere Stücke mit dem Theaterdiscounter koproduzierte.
Stefan Hillebrand lebt seit 2004 als Pianist, Sänger, Schauspieler und Komponist in Berlin. Er war Mitglied verschiedener Orchester und Bands und spielte u.a. an der Schaubühne, dem HAU und den Sophiensælen.

www.filmmakers.de
VERENA-UNBEHAUN, www.stefanhillebrand.de

Veronika Bökelmann born 1978 in Tübingen, Germany, is currently based in Berlin. Her works explore the threshold between performance and media installations, and have been shown in frameworks such as Moscow Biennale, Sophiensaele Berlin or Black Box Oslo. She studied Performance Studies at New York University and at the Norwegian Theater Academy. She works at the Department for Fine Arts / Architecture at the TU Berlin and has been teaching at KhiO Oslo and other academies. veronikabokelmann.blogspot.de
Moran Sanderovich born 1980 in Rehovot, Israel, studied at the School of Visual Theatre, Jerusalem, and is currently based in Berlin. Moran uses sculpture, performance, video and drawings to express the human body and how it is perceived. She creates modern, mythological, alternative bodies using silicon, organic materials and found objects. Her works have been shown internationally. moran.sanderovich.com

Die Vierte Welt Kollaborationen sind 2010 auf Initiative von Lubricat im Zentrum Kreuzberg gegründet worden. Die Vierte Welt ist ein Raum, in dem sich Künstler, Spezialisten, Aktivisten und Publikum auf Augenhöhe begegnen, um in Verständigung und Austausch zu treten. Die Vierte Welt hat sich zu einem offenen Möglichkeitsraum entwickelt, mit dem wir - gegen den kurzfristigen Verwertungsdruck des Marktes - eine Situation von Dauer und Kontinuität in der künstlerischen Arbeit behaupten. Weg von der Fokussierung auf das singuläre ästhetische Ereignis (Projekt) und von den Einschließungen in eine Szene, arbeiten wir an einem Perspektivwechsel der künstlerischen Produktions- und Präsentationspraxis, in welchem wir versuchen, die ästhetischen und die kunstpolitischen Positionen neu zu denken.

virtuellestheater is continuously investigating the worlds status quo. Through our analyzations of the present we try to offer an audience a new perspective on presumably well known subjects. In this process we create new spaces of possibilities and thought; virtual spaces as we see them. Part of our artistic research are non-linear forms of narration, digital media and new tech. With the help of new technology, live internet research and an interaction with the audience we create subversive installations to aim towards a good life and a better future.
virtuellestheater stands for agile productions that do without hierarchical structures and labour exploitation.

vorschlag:hammer entwickelt seit 2009 als Kollektiv Theaterproduktionen. Die Inszenierung "Vom Schlachten des gemästeten Lamms und vom Aufrüsten der Aufrechten" wurde 2010 mit den Jurypreisen des Körber Studio Junge Regie und des 100°Berlin ausgezeichnet. "Tears in Heaven", produziert am Ballhaus Ost, gewann 2013 den Jurypreis des Best OFF – Festival Freier Theater. In den Spielzeiten 2012/13 & 2013/14 war vorschlag:hammer im Rahmen des Fonds Doppelpass der Kulturstiftung des Bundes Artist in Residence am Düsseldorfer Schauspielhaus. Das hier entstandene "Mori no kokyu" wurde eingeladen zu Favoriten 2014.
Von 2015-2018 erhält vorschlag:hammer die Spitzenförderung des Landes NRW. vorschlag:hammer studierte Kulturwissenschaften und ästhetische Praxis in Hildesheim, sowie Schauspiel in Bern und Zürich und ist Teil des Netzwerks cobratheater.cobra.

Welcome Project - the foreigner’s theatre was founded by Chiara Rossini in 2015. It is a research laboratory focusing on the roles of identity and anatomy, the possible connection of different anatomies or the avoiding of any contact within common spaces and times. Intime Fremde is the first production of the group and it was creating through the collaboration of actresses from Italy, Kurdistan and Lebanon. The experience as migrants outlines an idea of theatre as another world ruled by different precepts where exceptional events can happen. We all are strangers looking for intimacy. We all look for points of contact to overcome stereotypes. We use our lives as magnifying glasses to give concepts and ideas a body.

Wir sind künstlerischer Netzwerk-, Projekt- und Finanzierungsraum für filmische, theatrale und performative Produktionen und haben uns 2014 gegründet, um junge kunst- und kulturtätige Menschen zu vernetzen. Wir sind der Meinung, gerade das Nicht-Konforme, das Außergewöhnliche und das Scheitern an einer Sache bringen Innovatives und künstlerisch Wertvolles hervor. Aus diesem Grund wollen wir innerhalb unserer Arbeitsprozesse Strukturen etablieren, die nicht den herrschenden Vorgaben eines „Marktes für Kunst“ unterworfen sind. Für dieses Projekt arbeitet die Zeitbanditin Sarah Klöfer mit den Künstler*innen Kathia von Roth und Torben Spieker zusammen. Seit einem Jahr arbeiten sie gemeinsam vermehrt an Spielprinzipien, Partizipations- und Kommunikationsstrategien im Theater und im öffentlichen Raum.

The children's theater performance collective ZIRKUSMARA develops and produces theater for children from 2 years. There are ideas developed in which the children have the opportunity to get into the artistic process, and in the disclosure of artistic patterns themselves. The pieces are based on the world of children and are played primarily with objects and dolls / figures. ZIRKUSMARIA operates on the principle Kindertheater at eye level. Come in and find out.

Zeit
Raum
Zeichen
Sprache
Vier Elemente, die eng miteinander verknüpft, das strukturelle Gewebe
der Arbeit von
gemelos2000
ausmachen und sich
in ihren Bildern
(Zeichnung, Fotografie,
Malerei, Pixel), Sounds
(Geräuschsmusikradiocollagen)
und Installationen
(Objekte, Assamblagen,Enviroments) bis zu ihren
performativen Interventionen
in Konzentrationen von
subtil bis massiv manifestieren.

Ein mehrsprachig komplex
strukturierter espacio,
der je nach Bedingungen
und Umständen verschiedene Formen, Blick- und Schwerpunkte annimmt und sich im steten Prozess
und demnach in steter
Entwicklung befindet.

Interkulturalität, Zeichensysteme
und zeitgenössische Kunst stellen die kritisch betrachtete Basis und werden auf ihre Zerbrechlichkeit und die Notwendigkeit und/ oder Fähigkeit einer sinnvollen Entwicklung nach
Kriterien der Vergangenheit,
Gegenwart und Zukunft
überprüft.